El diario El País de Uruguay hizo una encuesta en la que participaron 120 personas vinculadas a la música nacional. Compositores, intérpretes, músicos, productores, escritores, periodistas, mánagers y directores de sellos seleccionaron 5 discos fundamentales de la música uruguaya. En base a los puntajes asignados a más de 200 discos elegidos, se elaboró esta lista de los mejores 50 álbumes nacionales de la historia.
Para muchos los PREMIOS GRAMMY de la industria musical, equivalen a los OSCAR del cine.Se llaman GRAMMY como abreviación de GRAMOPHONE, del griego gramma = escritura yfono = sonido. Este es también el nombre del artefacto para reproducir discos, antepasado del tocadiscos. Los premios siempre fueron por GRABACIONES.
A través de estos premios, se reconoce a artistas de diversas categorías (jazz, folk, gospel, rock, pop, reggae, etc), a partir de la votación de los más de 6000 miembros de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación.
Se otorgan desde 1959 por las GRABACIONES de obras musicales, pero en el año 2017 surge una novedad importante. Por primera vez se tienen en cuenta las canciones no editadas en discos, pero sí en plataformas digitales. Es así que el premio a MEJOR ALBUM RAP fue para Coloring Book del artista conocido como "Chance the Rapper"
La curiosidad es que este álbum no fue editado por ninguna compañía discográfica, jamás ha estado disponible en formato físico alguno, sino que salió por iTunes y luego por Spotify.
El rapero es originario de Chicago y afirma que no piensa vender sus canciones ni sus discos, pues entiende la gratuidad como estrategia. Sus ingresos son por las actuaciones en vivo, además de los derechos de autor o intérprete, pero no por contratos discográficos, ni venta de VINILOS, CD o formatos similares. En su agradecimiento hace referencia a la independencia y libertad de los músicos y artistas.
Chance the Rapper ganó también como MEJOR ARTISTA NUEVO y compartido conLil Wayne y 2 Chainz la MEJOR INTERPRETACION RAP.
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Kind of Blue es un álbum de
Miles Davis publicado en 1959 y considerado uno de los
discos más importantes del
jazz. Fue grabado en Nueva York en solo dos jornadas con un grupo destacado que incluía a
John Coltrane,
Bill Evans y otros grandes músicos.
El disco marcó un cambio clave en la historia del
jazz al basarse en la
improvisación modal, que permitía mayor libertad que el sistema tradicional de acordes, idea que dio lugar a un sonido más abierto, tranquilo y expresivo. Las piezas se grabaron con muy poca preparación previa, a partir de simples guías, lo que generó una música espontánea y única.
El álbum fue un gran éxito, es el disco de jazz más vendido de la historia. Su influencia se extendió a otros géneros y lo convirtió en una obra fundamental de la
música del
siglo XX.
Bobby McFerrin nació en New York en 1950. Además de compositor, arreglador y productor, es director de orquesta y ha estado al frente de muchas sinfónicas importantes. También toca varios instrumentos (piano, clarinete, bajo...) y se ha desempeñado como cantante de jazz. Sin embargo ha desarrollado su carrera musical, utilizando sólamente su extraordinaria voz.
Es conocido por sus técnicas vocales únicas: puede cantar naturalmente en 4 octavas, crea efectos de sonido con su voz o golpeando su pecho, con saltos veloces logra mantener la melodía a la vez que alterna arpegios y armonías, domina el "scat" maravillosamente, realiza líneas de bajo vocales e improvisa junto al público en sus actuaciones.
Su canción «Don't Worry, Be Happy» lo llevó a la popularidad en 1988 y
ha colaborado con artistas como Richard Bona, Chick Corea, Herbie
Hancock, Quincy Jones, Al Jarreau, Wynton Marsalis,
Gal Costa y Yo-Yo Ma, entre otros. Tiene unos 20 discos editados, como
solista o en colaboración con otros músicos. Entre muchos
reconocimientos, consiguió 10 premios Grammy, 3 de ellos por «Don't
Worry, Be Happy» (Grabación del año, Canción del año y Mejor
interpretación vocal masculina pop).
En 2009 participó del Festival Mundial de Ciencia, en la conferencia "Notas y neuronas: En
busca del Coro Común", que planteaba la importancia de la música y el
cerebro. Para demostrar cómo el cerebro humano es capaz rápidamente de asimilar la escala pentatónica, realizó un espontáneo ejercicio con la audiencia, dejando boquiabiertos a los científicos que integraban el panel. "Lo interesante de esto, es que no importa dónde me encuentre, sea donde
sea, cualquier audiencia entiende la escala pentatónica por alguna
razón", explicó Bobby McFerrin al finalizar su demostración.
También es habitual que en sus presentaciones interactúe espontáneamente con un coro. En la ciudad que esté y en el idioma que sea, juega e improvisa con el coro logrando cosas maravillosas como esta:
Hay muchísimo material de este artista en la web, canciones, discos enteros, presentaciones en vivo, documentales y clips. Cerramos con esta improvisación con banda y audiencia.
Hugo Fattoruso cumplió 80 años el 29 de junio de 2023. Compositor, arreglador, tecladista, pianista, vocalista y figura fundamental de la música de nuestro país. Es considerado uno de los más destacados exponentes de la música popular uruguaya y ha dejado también su huella en la escena musical latinoamericana.
Desde muy joven mostró un gran talento musical y ha participado de grandes momentos de la historia de la música uruguaya. Junto a su hermano Osvaldo, con Los Shakers desde Argentina, luego con el Opa Trío en USA con su amigo Ruben Rada, luego radicado en Brasil junto a Chico Buarque, Djavan y Milton Nascimento (entre otros), colaborador de Jaime Roos en la mayor parte de su extensa discografía, más tarde vuelta a New York donde grabó varios discos solistas, con el Trío Fattoruso junto a su hermano y su hijo Francisco, vuelta a Uruguay con diversos proyectos como Rey Tambor uniendo el piano a los tambores de Candombe, junto al japonés Yahiro Tomohiro con quien ha hecho varias giras en ese país, grabando en más de 100 discos, como solista y en diversas formaciones, con Fito Páez, Leo Masliah, Fernando Cabrera, Jorge Galemire y un gran cantidad de músicos muy importantes, que reconocen en Hugo a un verdadero maestro.
Celebró su cumpleaños en 2 noches colmadas en el Teatro Solis de Montevideo, junto a su familia (muchos son músicos) y decenas de invitados, amigos y compañeros de tan larga y exitosa trayectoria.
Acá una lista de 100 canciones (aunque muy incompleta) de su música.
Pink Floyd es una banda de rock británica fundada en Londres en 1965, famosa por su música psicodélica y progresiva, destacada por sus innovaciones técnicas en la producción de sonido.
La formación original incluyó a Syd Barrett (guitarra, voz), Roger Waters (bajo, voz), Richard Wright (teclados, voz) y Nick Mason (batería). Barrett se retiró del grupo en 1968 por problemas de salud mental y fue reemplazado por David Gilmour, quien se unió a la banda como guitarrista y vocalista.
En 1985 Waters dejó la banda y continuó su carrera en solitario, mientras que Gilmour, Wright y Mason continuaron grabando y tocando como Pink Floyd. En 2005 los cuatro se reunieron para un concierto benéfico llamado Live 8, un año después murió Barret y en 2018 falleció Wright.
En 1973 alcanzaron su mayor éxito comercial con su álbum "The Dark Side of the Moon", álbum que se convirtió en uno de los más vendidos de todos los tiempos. Luego la banda lanzó varios álbumes más que fueron aclamados por la crítica, como "Wish You Were Here" y "The Wall".
El álbum es considerado una obra maestra del rock progresivo y uno de los discos más influyentes y exitosos de la historia de la música con su mezcla de rock, jazz, electrónica y una temática conceptual que gira en torno al tiempo, la muerte, la avaricia y la locura. Cada canción es una obra maestra en sí misma y juntas conforman una experiencia auditiva inolvidable.
"The Dark Side of the Moon" fue además un gran éxito comercial, vendiendo más de 45 millones de copias en todo el mundo.
El álbum cumple 50 años, fue grabado en los estudios Abbey Road en Londres y producido por el ingeniero de sonido Alan Parsons y por todo el grupo, utilizando tecnología de vanguardia en el campo de la grabación y la producción de audio en esos tiempos. También se utilizaron efectos de sonido y grabaciones de campo para agregar profundidad y textura al sonido del álbum.
En lugar de grabar cada canción en su totalidad, se grabaron partes de diferentes tomas y se mezclaron en una única pista. Una de las características más notables de "The Dark Side of the Moon" es la transición fluida y sin interrupciones entre las canciones. Las canciones están conectadas entre sí mediante efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que crea una sensación de continuidad en todo el álbum, lo cual se convirtió en una de las principales influencias en la música progresiva y la música rock posterior.
"The Dark Side of the Moon" ha obtenido numerosos premios, distinciones y récords. En 1974, la Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos (RIAA) le otorgó el disco de platino por la venta de 1 millón de copias en los USA. El álbum ha sido certificado 15 veces platino en los EE. UU. hasta la fecha. En 1999, fue incluido en el Salón de la Fama del Grammy y en 2003, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 43 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
En 2011, "The Dark Side of the Moon" fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, que selecciona anualmente grabaciones que son "cultural, histórica o estéticamente significativas".
Además, permaneció en la lista de los 200 álbumes más vendidos del Reino Unido durante 741 semanas consecutivas, lo que equivale a casi 14 años, récord de permanencia que aún no ha sido superado por ningún otro álbum.
AQUÍ SE PUEDE ESCUCHAR SU EDICIÓN MASTERIZADA 50 ANIVERSARIO
La portada de "The Dark Side of the Moon" es una de las más icónicas y reconocidas de la historia de la música. Fue diseñada por el grupo de arte gráfico Hipgnosis, liderado por Storm Thorgerson y representa un rayo de luz blanca que atraviesa un prisma triangular y se descompone en un espectro de colores en el otro extremo.
La idea era simbolizar el viaje de la luz a través del prisma, que se asemeja a un triángulo, representando la música del grupo, que descompone los diferentes elementos de la vida humana en una amplia gama de emociones. El prisma también sugiere la idea de que Pink Floyd arroja luz sobre la oscuridad, explorando temas oscuros y profundos a través de su música.
La idea se le ocurrió a Thorgerson después de escuchar las letras de la canción "Eclipse" del álbum, que incluyen la frase "todo es oscuro" y quiso crear una imagen que reflejara la luz y la oscuridad, decidiendo luego usar un prisma para simbolizar la separación de la luz blanca en sus colores componentes. La imagen del prisma fue creada a través de un proceso de fotografía experimental en el que un prisma de cristal fue utilizado para crear el efecto de refracción de la luz.
Gustavo Pena (el Príncipe) fue un músico y cantautor uruguayo que como muchas veces sucede, se ha convertido en un artista de culto luego de su muerte. Habiendo editado en vida solamente 2 discos, su obra es muy vasta y ha sido recopilada por su hija Eli-U, quien mantiene el sitio IMAGINANDO BUENAS, donde se puede encontrar todo el material disponible sobre el Príncipe.
Muchas de sus canciones se han popularizado, se cantan es escuelas, liceos, etc. Es el caso de este tema, que describe la vida de unos jóvenes en la esquina, en la plaza, donde fuman, beben y tocan el tambor, sin dejar de admirar la belleza del lugar que les ha tocado, porque sencillamente "les gusta este lugar".
Como muchas buenas canciones, este tema de El Príncipe ha sido versionada por múltiples artistas de diferentes géneros, no solamente en el Uruguay. Más abajo hay algunos ejemplos: con ritmo de plena a cargo de Martín Quiroga, cumbia villera argentina con La Liga, una versión más candombera de El Alemán y El Chole, la propia Eli-U con su banda Trovalina y finalmente el propio autor en un programa de TV.
¿CÓMO QUE NO?
Gustavo Pena "El Príncipe"
Los pibes allá en la esquina,
están como dibujados, No les pagan sus
pecados,
no les toco religión. Esperan la tardecita y van hasta la placita, fuman y beben un poco, después tocan el tambor. Porque esperan que en el cielo este el amor que no tuviste vos. que no ¿Cómo que no? Miraló, Miraló. Los pibes cumplen condena, entran y salen las penas, entran y salen las penas, de su niño corazón. Y tienen la valentía de ganarse el día a día, aunque una noche sin luna, se pierda tu encendedor Porque tiene mucho cielo y mucho mar me gusta este lugar ¿Cómo que no? Miraló, Miraló Regando el patio a manguera, niña de la primavera. Niña de la primavera regá mi patio de amor Que llega otro nuevo año que se somete a la espera de que se haga verdadera tu locura y tu ilusión. Porque tiene mucho cielo y mucho mar me gusta este lugar, que no ¿Cómo que no? Miraló, Miraló
Algunas "mini películas" de The Beatles antecedieron la era de los videoclips a fines de la década de 1960. A veces para especiales de TV, otras como promoción de películas, en ocasiones tocando en vivo y otras veces haciendo playback.
En 1966 The Beatles dejaron de tocar en vivo. Su último show fue en el estadio de Candlestick Park en San Francisco, USA. A partir de ese momento se concentraron en el estudio para grabar sus últimos discos (entre ellos los maravillosos Sgt.Pepper, el llamado "Álbum blanco" y Abbey Road).
Apple Corps lanzaró en 2015 un DVD doble con algunas cintas de promoción, apariciones en TV y otros videos, seleccionadas por su rareza, valor histórico y calidad interpretativa. Los videos han sido restaurados durante meses por un equipo de 18 especialistas que limpiaron, colorearon y mejoraron digitalmente las imágenes, cuadro a cuadro.
El resultado es realmente increíble, parecen haber sido filmadas ayer, con la mejor resolución y calidad.
Esas viejas cintas ya forman parte del inagotable legado de la banda. Aquí una lista con algunos de esos clips y los detalles del gran trabajo realizado por los técnicos 50 años después.
PACO DE LUCIA fue uno de los más grandes guitarristas españoles de Flamenco de todos los tiempos. Nació en Cádiz en 1947 y falleció en México en 2014. Además de editar libros de música con transcripciones de sus obras, publicó más 40 discos y colaboró con muchos artistas de primer nivel, entre ellos Camarón de la Isla, Carlos Santana, Al Di Meola, John McLaughlin, Tomatito, Chik Corea y Djavan.
LA GUITARRA VUELA es una película que recorre 9 países y unos 34.000 km. Se trata de una gira protagonizada por su última gutarra llamada "La
Maestro" (que no pudo estrenar) y es un homenaje al músico,
al instrumento y a la universalidad del FLAMENCO, un arte que personalizaron ambos.
La
MAESTRO va de mano en mano, de músico en músico, entre anécdotas, nostalgias, secretos y mucho arte. Desde Mallorca a Lisboa, de Estados Unidos a Brasil, pasando por Argentina y también por Uruguay.
“Necesitaría de dos vidas para explicar lo que es el
flamenco. Su espíritu, su emocionalidad tan entera. No es una música que
se pueda explicar en un conservatorio y decir ‘esto está bien y así se
toca’. No hay dudas: el flamenco necesita del corazón”.Paco de Lucía
Julieta Rada nació en Argentina, se crió en México y ha desarrollado su carrera como cantante y compositora aquí en Uruguay, también en Argentina y en USA.
No es difícil imaginar quién es su papá, de quien heredó el gusto por la música y el canto. Es fanática -además- del gran músico estadounidense Stevie Wonder.
Canta desde los 16 años y ha grabado 3 discos como solista: Afrozen (2012), Corazón Diamante (2015) junto a Nicolás Ibarburu y Bosque (2019).
Dueña de una voz increíble, ha recibido ya nominaciones y varios premios por sus trabajos, (Grammy Latinos, Gardel y Graffitis).
Hace 40 años , un día como hoy 16 de agosto, hallaban muerto en su mansión de Memphis a Elvis Presley. Moría el hombre y crecía el mito (buena parte de los norteamericanos creen que no murió realmente) que rodea a este gran cantante, llamado "rey del rock and roll".
Hijo de una familia sureña y trabajadora, a sus 20 años ya era un éxito comercial, musical y cinematográfico, encarnando la imagen del "sueño americano" de lograr la fama desde la humildad. Luego de su alistamiento en el servicio militar, su lugar de ídolo de multitudes sería ocupado por unos jóvenes británicos: The Beatles.
Dueño de una voz y un carisma inigualables, es uno de los artistas que vendió más discos en la historia de la música y aún hoy sigue facturando millones. Hoy se sigue escuchando y celebrando su música, más allá de escándalos, leyendas, mitos, vínculos con la CIA, la mafia, las drogas y los ridículos imitadores.
Fue criticado por convertirse en una "versión amable" del rock inventado por los músicos negros, que la industria pulió en sus aristas más salvajes y provocadoras, pero Elvis llevó adelante una verdadera revolución musical en los años 1950. En palabras de John Lennon "si no hubiera existido Elvis, tampoco habrían existido The Beatles" y ¿existiría hoy el rock and roll y sus numerosos derivados?
En una era marcada por excesivas dosis de información audiovisual que a menudo no llegamos a digerir, donde el acceso a la música es inmediato y gratuito, muchas veces no nos permitimos valorar y disfrutar de una buena calidad de sonido.
Un uruguayo llamado Roberto Di Landro tiene un canal en YOUTUBE donde sube joyas y rarezas musicales (principalmente uruguaya) en una excelente calidad de audio, tomada directamente de discos de vinilo.
Allí se pueden escuchar a algunos grandes de la música nacional como Jorge Galemire y Eduardo Darnauchans con un sonido inigualable. Incluso hay canciones que ya no están en catálogo y son muy difíciles de conseguir.
Como muestra va esta canción de Róisin Murphy, excelente cantante y compositora irlandesa conocida por su música experimental, innovadora y
vanguardista. Se sugieren buenos parlantes o auriculares y poner HD para disfrutar de la mejor calidad de audio.
Interesante artículo del uruguayo Carlos Tarán, quien investigó el tema del Streaming en Río de Janeiro mientras cursaba su maestría en gestión cultural. La realidad es que los artistas se quejan porque se venden muchos menos discos que antes y reciben muy poco dinero por la música que se escucha digitalmente.
¿Cómo es la relación entre músicos y empresas? ¿Cuánto dinero reciben los artistas por la escucha de sus canciones? Todo esto y más en el siguiente documento:
A fines de los años 70 en Estados Unidos y en el Reino Unido. Nueva York y Londres respectivamente fueron testigos de el surgimiento de un movimiento luego conocido como PUNK. En ese contexto aparece una banda cuyos experimentados integrantes provenían de otras tiendas, como el Jazz o el Rock Progresivo, se trataba de THE POLICE.
Tres notables músicos: Sting, Andy Summers y Stewart Copeland formaron este trío y revolucionaron la escena musical local y luego mundial. No era simplemente una nueva banda Punk, sino que en su música coexistían también otros géneros como el Reggae, con un halo de pop vanguardista.
La banda tuvo un éxito explosivo a partir de muy buenas canciones, armonías novedosas, un ritmo aplanador y letras cada vez más introspectivas que reflejaban el espíritu de su bajista y vocalista, Sting era profesor de Literatura. Hacia 1980 THE POLICE era una de las mejores bandas del mundo a partir de sus 5 discos y giras por todo el planeta.
Su influencia en Sudamérica fue notable. Numerosas bandas (especialmente tríos de bajo, guitarra y batería) de la región crecieron bajo ese sonido e intentaron sonar en consecuencia. Ejemplo de esto aparece SODA STÉREO en Argentina y PARALAMAS DO SUCESSO en Brasil, bandas que lideraron el rock latinoamericano. En UruguayLOS TONTOS conformaron un trío que -además de sus letras irónicas y sarcásticas- tomó esa influencia en su música.
Pentatonix es un grupo musical de cinco vocalistas: Kirstie Maldonado, Scott Hoying, Mitch Grassi, Avi Kaplan y Kevin Olusola. Son de Arlington, Texas, Estados Unidos. Llevan 5 discos editados, han realizado múltiples giras por América del Norte y Europa. Cantan POP, principalmente versionando canciones a capella, es decir sin utilizar instrumentos musicales de ningún tipo. web: http://ptxofficial.com/home youtube: https://www.youtube.com/channel/UCmv1CLT6ZcFdTJMHxaR9XeA
MUSICAEMPILA – Educación Musical es un blog uruguayo creado por
Roberto García Cabrera, docente de Educación Musical en Montevideo,
activo en la plataforma Blogger desde junio de 2013.
El sitio está dedicado a la divulgación y enseñanza de la música y en él se publican materiales sobre sonido, instrumentos musicales, el canto y la canción, géneros y tradiciones culturales como el candombe y la música popular uruguaya, además de efemérides
y análisis de obras.
Su enfoque educativo y reflexivo busca promover la apreciación musical
como parte de la formación cultural, con un lenguaje accesible, recursos multimedia y
vínculos con proyectos complementarios.
MUSICAEMPILA es un espacio independiente de educación y
divulgación musical con énfasis en la identidad musical de América Latina, especialmente la uruguaya.
