Si le preguntas a
Louis Armstrong, te dirá que si tienes que preguntarlo, nunca lo sabrás.
Julio Cortázar lo comparó con un pájaro que migra: cambia, pero sigue siendo él mismo.
Miles Davis, responderá misterioso: "no toques lo que está ahí, toca lo que no está".
Este documento no va de definiciones aburridas, pero cuenta cómo el
jazz nació en los funerales de
Nueva Orleans, se escapó del racismo hacia Chicago, se inventó sobre la marcha con la
improvisación y se convirtió en la banda sonora de la libertad, la resistencia y la cultura afroamericana.
El jazz no es cosa de viejos, sigue estando en el ADN de más de un siglo de música, incluyendo muchos de los géneros que escuchamos hoy y los que vendrán.
EXTRAIDO DE TWITTER “La Historieta Musical” (Jesús Báez Alcaide)
Pocas cantantes supieron expresar tanto con su voz. Pocas se atrevieron en su época a hablar de la injusticia y el dolor con tanto sentimiento. Pocas sufrieron tanto como ella al hacerlo. Pocas se rompieron tanto al cantar.
Estamos en la primavera de 1939. En Europa, España presiente el final de una guerra que será el preludio de otra que está a punto de estremecer el mundo. En EEUU, una guerra más silenciosa lleva décadas librándose. Y en Nueva York, una figura atormentada sube a un escenario. El sitio es el Café Society, un club de jazz lleno de humo y oscuridad. Apenas unos centenares de personas es su aforo. Pero algo está a punto de cambiar con la canción que interpretará esa mujer. Se llama Eleonora, pero todo el mundo la conoce ya como Billie.
Es imposible decir que Eleonora Holiday Fagan tuviera una vida fácil. Ni siquiera remontándonos atrás en su familia encontramos un rastro de ello. Su abuelo fue esclavo en una plantación. Su madre, con solo 13 años, fregaba los suelos en el hospital donde dio a luz en 1915. Su padre, Clarence Holiday, era músico. Ese era su principal interés: no su familia.
Apenas una niña, fue chica de los recados de un burdel. Fue violada a los diez años y ejercería la prostitución con 13. Con quince años decide irse a Nueva York y comienza a cantar en clubs. Influenciada por Louis Armstrong y Bessie Smith, empezó a ser cada vez mas reconocida hasta que el productor John Hammond le habló de ella a Benny Goodman, el rey del swing.
Aquí es donde si esto fuera una historia bonita todo empezaría a cambiar para bien. Lo cierto es que no. Con una infancia así, no creo que sea censurable que, desde joven, Billie empezara a tener problemas con el alcohol y las drogas. Y la droga de moda entre los músicos de jazz era la heroína. Su éxito profesional fue parejo a su autodestrucción personal.
En 1935 se presenta -con éxito- en el teatro Apollo. Poco después aparece en un cortometraje -Simphony in black- junto a Duke Ellington. Comienza a recorrer todos los teatros, donde conoce al saxo tenor Lester Young, que sería su gran amigo y le pondría el apodo de Lady Day.
En muy poco tiempo, Billie está cantando con las orquestas del momento, como la del gran Count Basie, además de grabar varios de los mejores standares del jazz, como 'I loves you, Porgy', de Gershwin. Y a finales de la década, una canción caerá en sus manos. Strange fruit. Strange Fruit fue compuesta por Abel Meeropol, un inmigrante judío de origen ruso que sabía lo que era el racismo y la injusticia. Cuando vio las fotos de unos linchamientos en el sur de EEUU, algo se removió en su interior. Cuerpos colgando de los árboles. Extrañas frutas.
La letra, llena de imágenes explícitas, no daba puntada sin hilo: "Escena pastoral del galante sur: ojos saltones y boca torcida, el olor de la carne quemada, una fruta para que los cuervos la arranquen, una cosecha extraña y amarga".
Billie, que había vivido todo ese racismo, que sus abuelos habían sido esclavos, la cantó con el alma y el corazón desgarrado. Tomó la canción como arcilla y la modeló con la garganta rota de dolor. El público quedó en silencio. Se dice que ella tuvo que ir al baño a vomitar.
Strange Fruit sería un éxito y una condena para Billie holiday. No era plato de buen gusto para las autoridades blancas y tuvo muchos problemas cuando la interpretaba fuera de los clubs. En Alabama, por ejemplo, tuvo que salir por patas del recinto del concierto. Al final, la policía comenzó a acosarla y la atacaron por donde pudieron: por las drogas. Fue detenida y encarcelada varios meses. Incluso le retiraron el carnet para actuar en clubs donde se servía alcohol, que era su principal fuente de ingresos, durante doce largos años.
A todos estos problemas legales se sumaron los diferentes tipejos con los que se juntó durante aquellos años, animales que la maltrataron, abusaron y se aprovecharon económicamente de ella. Y todo ello cristalizado en una cada vez más acentuada adicción a la heroína. La droga y el alcohol afectaron a su voz que fue volviéndose más ronca y oscura. Pero lo que perdía, lo ganaba en emoción e interpretación.
Durante aquellos años hizo decenas de grabaciones, como el disco 'Lady sing the blues', llamado igual que su autobiografía. Unas memorias pródigas en desgracias pero que permiten conocer el alma de una persona sensible que no se cortó al hablar de drogas, racismo o machismo, aunque algunos detalles, como su relación con la actriz Tallulah Bankhead o con Orson Welles, los calle.
También visitó Europa en los 50, donde el color de su piel no suponía ningún problema; ella, que tenía que entrar por las cocinas en muchos clubs de EEUU donde actuaba. Arropada por artistas como Serge Gainsbourg o la escritora Françoise Sagan, triunfó en París. El final de la década trajo un par de hitos en su carrera.
El primero, uno de sus mejores trabajos, Lady in satine, quizás su disco más conocido. El segundo, una actuación que se ha convertido en una de las famosas y celebradas de la historia del jazz. Con una sección de metales formada por Lester Young, Ben Webster, Gerry Mulligan y Coleman Hawkins a los saxos y Vic Dickenson, al trombón, este 'Fine and Mellow' que se grabó para el programa de la CBS 'The sound of jazz' es oro puro.
Por desgracia, una vida como la suya no podía tener un buen final. La policía no se había olvidado de ella y cuando acude al hospital por un dolor en el hígado es arrestada por tenencia de drogas.
Billie murió en arresto hospitalario el 17 de julio de 1959. Esposada a la cama. Solo tenía 70 centavos en el momento de su muerte. La reina del jazz, que había puesto voz a la injusticia y al dolor, había muerto pobre e injustamente maltratada. Pero no se despidió sola. Más de 3000 personas acompañaron a pie a su ataúd.
La influencia de Billie en la música popular del siglo XX es enorme, desde Janis Joplin a Amy Winehouse o Nina Simone. La mejor forma de hacerle justicia es recordar su voz y talento.
Kind of Blue es un álbum de
Miles Davis publicado en 1959 y considerado uno de los
discos más importantes del
jazz. Fue grabado en Nueva York en solo dos jornadas con un grupo destacado que incluía a
John Coltrane,
Bill Evans y otros grandes músicos.
El disco marcó un cambio clave en la historia del
jazz al basarse en la
improvisación modal, que permitía mayor libertad que el sistema tradicional de acordes, idea que dio lugar a un sonido más abierto, tranquilo y expresivo. Las piezas se grabaron con muy poca preparación previa, a partir de simples guías, lo que generó una música espontánea y única.
El álbum fue un gran éxito, es el disco de jazz más vendido de la historia. Su influencia se extendió a otros géneros y lo convirtió en una obra fundamental de la
música del
siglo XX.
También conocidas como Orquestas de Jazz, surgieron allá por los años 1930 y su auge duró un par de décadas. Pero nunca desaparecieron del todo y hoy hay muchísimas Big Bands por todo el mundo.
A continuación compartimos algunos ejemplos de la región, cada una con su impronta, todas participaron en 2020 el 13° FESTIVAL JAZZ A LA CALLE en Mercedes, Soriano, Uruguay.
Django Reinhardt (1910 - 1953) es un ícono indiscutible del jazz y la guitarra gitana. Su vida estuvo marcada por la superación, ya que a pesar de haber sufrido un incendio que dejó inmovilizados dos dedos de su mano izquierda, desarrolló una técnica única adaptada a su limitación, revolucionando así el jazz manouche.
Fundador del Quintette du Hot Club de France, Django transformó la música con su virtuosismo en la guitarra acústica, fusionando elementos tradicionales gitanos con el swing estadounidense. Su legado perdura en la influencia que ejerce sobre generaciones de músicos y en su destacada contribución al desarrollo del jazz moderno.
LA JARANA es una agrupación de jazz que integra un ensamble de percusión típicamente uruguayo: la Batería de Murga. Incluye además un vibráfono, un saxo y bajo eléctrico. LA JARANA Nace a mediados del 2009 en Montevideo, Uruguay y sus actuales integrantes son:
Vibráfono: Maximiliano Nathan
Bajo: Marco Messina
Saxos: Emiliano Pereira
Redoblante: Nicolás Del Giorgio
Platillos: Felipe Badaró
Bombo: Rodrigo Domínguez
LA JARANA es una agrupación de Jazz Contemporáneo con una conformación instrumental sin precedentes: Saxofón, Vibráfono, Bajo Eléctrico y Batería de Murga, integrada por tres instrumentos: bombo, platillos de entrechoque y redoblante, cada uno de ellos ejecutados por un percusionista. es justamente en la Batería de Murga donde los músicos muestran su creatividad y picardía, a partir de los recursos tímbricos y rítmicos de estos instrumentos.
LA JARANA nació buscando fusionar el lenguaje rítmico y tímbrico de la Batería de Murga uruguaya con otros géneros y lenguajes musicales como el tango, el jazz, la música popular brasileña, la música popular cubana, el folklore argentino, además de la creación de un repertorio propio y original.
Además de 2 discos editados, también han realizado participaciones junto a destacados cantautores uruguayos como Alejandro Balbis y Alberto Wolf.
El Soul nació en Estados Unidos
en la década de 1950 a partir de la mezcla de diversos estilos musicales como
el rhythm & blues, el góspel y el jazz. En las iglesias evangélicas de
Georgia, Philadelphia o Mississippi estaban los pioneros: Sam Cooke, Ben E.King
& The Drifters y Ray Charles.
Resulta difícil
determinar dónde empieza el Soul, pero queda claro que sirvió para que los “ciudadanos
de segunda”, que por entonces debían ceder el asiento en el ómnibus, llevaran
su música de la iglesia a la calle, luego a las radios locales y clubes de
baile. También fue una buena salida laboral para cualquier
ciudadano negro que cantara bien. Así surgieron varias estrellas desde sellos
discográficos como Motown de Detroit y Stax en Memphis.
El mismísimo Martin Luther King
utilizó el Soul como medio para difundir su mensaje, “I’m Black, I’m Proud” gritaba
James Brown. Tiempo después, la industria y la
comunidad blanca prestó atención a esta música, que continuó en los 70, con Stevie Wonder, por ejemplo.
El Soul encarna la lucha entre lo
sagrado y lo profano, es arte afroamericano que sintetiza la palabra del evangelio
y la música del diablo, representada por el Blues, el Jazz y el Rhythm &
Blues.
De la mano de James Brown llegaría luego el Funk, centrado en el groove y poniendo énfasis en el primer tiempo
del compás. Se trata de un sonido más crudo y visceral, con protagonismo de lo
rítmico y fuertes líneas de bajo.
Papa's Got A Brand New Bag (James Brown,
1965) es considerado el primer Funk, que se consolidó años después con su otro éxito: Get Up
(I Feel Like Being a) Sex Machine.
El Jazz originado en New Orleans hace más de un siglo, se fue desarrollando a partir de múltiples influencias desde su entorno humilde, ganó popularidad como entretenimiento y finalmente fue reconocido como una forma de arte en todo el mundo.
A continuación una magnífica LINEA DE TIEMPO que muestra algunos de los sucesos más importantes que fueron guiando esta transformación, acompañada de videos, información y excelentes ejemplos de cada estilo y cada época.
Eleanora Holiday Fagan nació en Filadelfia el 7 de abril de 1915. Conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz, considerada una de las voces femeninas más importantes e influyentes del género.
AQUÍ UNA INTERESANTE RESEÑA DE CARLOS DOPICO SOBRE LA VIDA Y LA MÚSICA DE "LADY DAY"
El color BLANCO suele estar asociado a la pureza y la bondad. Los médicos van de blanco, los escolares visten de blanco, la novia en el altar usa un vestido blanco. De la misma manera se ha usado el color NEGRO para definir aspectos negativos: fulano tiene un pasado negro, aquel otro trabaja en negro, me las veo negras, etc.
Por supuesto que estos son resabios racistas que heredamos de los europeos, quienes a través del sistema esclavista, pudieron colonizar y poblar América, con la "colaboración" de los africanos y algunos nativos americanos.
Principalmente en Estados Unidos y algunos lugares de Europa, decir que una persona es negra es sinónimo de agresión e insulto. Por ejemplo, si los norteamericanos blancos hablan de "black people" es aceptable, pero "negro" es un insulto. Por eso se definió mundialmente dejar de usar el negro y referirnos a las personas y comunidades como "afroamericanas".
Buena parte de la MÚSICA AMERICANA es en realidad MÚSICA AFROAMERICANA. Como lo importante es el simbolismo que se le da a una palabra, más que la palabra en sí, podemos afirmar que estamos hablando de la música con raíces en las poblaciones negras del continente: MÚSICA NEGRA. Esto incluye al Candombe en Uruguay, el Samba en Brasil, la Cumbia en Colombia, el Jazz en Estados Unidos, la Rumba en Cuba, la Plena en Puerto Rico, el Reggae en Jamaica y un largo etcétera.
Si analizamos las siguientes palabras, asociadas al mundo de la música:
Notamos la presencia de la combinación “mb” y “ng”, lo cual denota un origen africano, particularmente congolés.
Este es Neil Harbisson, quien nació con una rara enfermedad que le impide ver los colores. Un dispositivo conectado a su cabeza transforma los colores en sonidos. Si bien ve un mundo en grises, puede "escuchar" una sinfonía de colores, lo que le permite "escuchar" rostros. Para él no hay pieles blancas o negras o amarillas, todos somos naranjas...
La batería es un instrumento de percusión esencial en la música moderna que incluye varios membranófonos e idiófonos, o sea tambores (bombo, caja, toms) y platillos (hi-hat, crash, ride).
Su función es marcar el ritmo en géneros como rock, jazz o pop. Se toca con baquetas y requiere mucha coordinación entre manos y pies. Grandes bateristas han demostrado su versatilidad y poder en el escenario.
Leyendas del Rock como John Bonham (Led Zeppelin) con un groove único, Ringo Starr (The Beatles) con una simplicidad y ritmo inconfundibles y Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) con gran energía en el grunge. En el Jazz Buddy Rich, dueño de una velocidad legendaria y el showman Gene Krupa. Otros destacados como Stewart Copeland (The Police), quien sumó además el reggae jamaiquino, Phil Collins (Genesis y solista), también gran cantante y Sheila E. percusionista junto a Prince.
Rubén Rada es un músico enorme. Su grupo La Banda se formó en 1979 e incluía a reconocidos músicos del jazz argentino de entonces. La primera presentación del grupo fue en un recital compartido con León Gieco a fines de ese año. Gieco presentó a Rada como uno de los mejores artistas del Río de la Plata, esa noche la canción "Rock de la calle" enganchó al público y se transformó en el éxito del grupo.
ROCK DE LA CALLE
Mi padre me decía, no olvides la lección:
la musica no tiene fronteras ni nación.
La cantan los gorriones y hasta el gallo campeón.
Yo particularmente curtía el rock and roll.
El siempre me pedia, no subas al camión,
no vayas donde todos si no hay una razón.
Tan solo esas dos cosas, el viejo me dejo:
la colección de Elvis y un viejo guitarrón..
Calles, calles. Rompe el rock and roll las calles.
Calles, calles. Rompe el rock and roll las calles.
El rock and roll es libre, no tiene traducción,
lo cantan los que tienen alegre el corazón.
Descansan los ministros en la costa del sol
y a veces a escondidas bailan un rock and roll.
Calles, calles. Rompe el rock and roll las calles.
Calles, calles. Rompe el rock and roll las calles.
Ruben Rada & La Banda fue el único disco grabado por el grupo que abre con "Rock de la calle" con un sonido único: rock hecho por músicos de jazz, con mucho groove y ganas de bailar. Así, Rada le dio candombe y alegría al rock argentino.
La Banda fue una pincelada de calidad que acercó al público a los buenos sonidos del mundo, despertando del aburrimiento y haciendo bailar, aún en los momentos más duros de la dictadura.
EL DISCO:
1. «Rock de la calle»
2. «Muy lejos te vas» (R. Rada/H. Fattoruso)
3. «Candombe llamada»
4. «La música es mi amor (Music is my love)» (R. Rada/H. Fattoruso)
5. «Malísimo»
6. «Mamá reloj»
7. «Montevideo» (R. Rada/H. Fattoruso)
8. «Constelación» (J. Navarro)
Todas las canciones escritas y compuestas por Rubén Rada, excepto donde se indica.
Con 8 años, Angelina fue
ganadora de Noruega Got Talent en 2014 y desde allí comenzó a recorrer diferentes medios en su país y también el resto de Europa y Estados Unidos.
Hasta
hoy, sus videos han recibido millones de
visitas en YouTube y su
sueño es seguir una carrera como cantante. Cualidades le sobran.
MUSICAEMPILA – Educación Musical es un blog uruguayo creado por
Roberto García Cabrera, docente de Educación Musical en Montevideo,
activo en la plataforma Blogger desde junio de 2013.
El sitio está dedicado a la divulgación y enseñanza de la música y en él se publican materiales sobre sonido, instrumentos musicales, el canto y la canción, géneros y tradiciones culturales como el candombe y la música popular uruguaya, además de efemérides
y análisis de obras.
Su enfoque educativo y reflexivo busca promover la apreciación musical
como parte de la formación cultural, con un lenguaje accesible, recursos multimedia y
vínculos con proyectos complementarios.
MUSICAEMPILA es un espacio independiente de educación y
divulgación musical con énfasis en la identidad musical de América Latina, especialmente la uruguaya.
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