El color BLANCO suele estar asociado a la pureza y la bondad. Los médicos van de blanco, los escolares visten de blanco, la novia en el altar usa un vestido blanco. De la misma manera se ha usado el color NEGRO para definir aspectos negativos: fulano tiene un pasado negro, aquel otro trabaja en negro, me las veo negras, etc.

Por supuesto que estos son resabios racistas que heredamos de los europeos, quienes a través del sistema esclavista, pudieron colonizar y poblar América, con la "colaboración" de los africanos y algunos nativos americanos.

Principalmente en Estados Unidos y algunos lugares de Europa, decir que una persona es negra es sinónimo de agresión e insulto. Por ejemplo, si los norteamericanos blancos hablan de "black people" es aceptable, pero "negro" es un insulto. Por eso se definió mundialmente dejar de usar el negro y referirnos a las personas y comunidades como "afroamericanas".

Buena parte de la MÚSICA AMERICANA es en realidad MÚSICA AFROAMERICANA. Como lo importante es el simbolismo que se le da a una palabra, más que la palabra en sí, podemos afirmar que estamos hablando de la música con raíces en las poblaciones negras del continente: MÚSICA NEGRA.

Esto incluye al Candombe en Uruguay, el Samba en Brasil, la Cumbia en Colombia, el Jazz en Estados Unidos, la Rumba en Cuba, la Plena en Puerto Rico, el Reggae en Jamaica y un largo etcétera.

Si analizamos las siguientes palabras, asociadas al mundo de la música:

conga, milonga, bomba, tumbadora, samba, bambulá, tango, cumbia,

merengue, candombe, rumba, mambo, tambor, marimba, 

Notamos la presencia de la combinación “mb” y “ng”, lo cual denota un origen africano, particularmente congolés.

Este es Neil Harbisson, quien nació con una rara enfermedad que le impide ver los colores. Un dispositivo conectado a su cabeza transforma los colores en sonidos. Si bien ve un mundo en grises, puede "escuchar" una sinfonía de colores, lo que le permite "escuchar" rostros. Para él no hay pieles blancas o negras o amarillas, todos somos naranjas...

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Podemos resumir que la música popular norteamericana nació de la música de los inmigrantes europeos y de los cantos de los afrodescendientes esclavizados. De la se desarrolló el country, principalmente entre las poblaciones blancas del sur y oeste. De la segunda surgió el blues y luego el jazz.

Al principio sin mezclarse demasiado, sus caminos siguieron casi siempre separados hasta que se encontraron en el Rythm & Blues por un instante. De ahí nacieron el rock y el soul. Los grandes artistas blancos como Elvis Presley se apropiaron de la música de Little Richard, Chuck Berry y Sister Rossetta mientras los afroamericanos se aferraron al soul, luego al funk y después al hip hop. Por su parte, el country se convirtió en el género de los blancos, al que los afroamericanos no quisieron volver, salvo en algunas oportunidades.

El nuevo trabajo de Beyoncé "Cowboy Carter" no es un disco de country pero en él se encarna una fusión muy interesante. Es R&B potente y orgulloso, pero también al ritmo de guitarras country, música negra al son de la vieja europa colonizadora, música estadounidense.

Con la bendición de Paul Mc. Cartney, el disco incluye una gran versión de Blackbird (del disco blanco de The Beatles de 1968, que mantiene la guitarra y el pulso en el pié originales de Paul). Se lucen además las voces de grandes cantantes afro vinculadas con la música country.

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 6 de FEBRERO

El 6 de febrero de 1945 nació Bob Marley en Nine Mile, una pequeña localidad rural a unas 3 horas de Kinsgston, capital de Jamaica. Su figura se volvió leyenda que trascendería fronteras, llevando el mensaje del reggae y el movimiento rastafari por todo el mundo.

Su influencia sigue vigente, independientemente de etnias, colores o credos. Su música revolucionaria y unificadora sigue desafiando la injusticia, el colonialismo, el racismo, los tantos "ismos" contra los que cantó. La música de Marley llegó al mundo entero, incluso a lugares donde no hablamos inglés, pero resulta siempre interesante leer sus textos.

En Tailandia su cumpleaños se celebra con un festival cultural. En Nueva Zelanda su música se recuerda hoy, día de Waitangi (tratado unificador firmado entre los colonos europeos y su población aborigen maorí). Cuando la colonia inglesa de Rhodesia fue liberada y pasó a ser Zimbabwe, los libertadores afirman haber tomado de Marley la inspiración y la fuerza, siendo invitado a las celebraciones oficiales de liberación.

Refugiados políticos de Sierra Leona traumatizados por años de sangrienta guerra en su país, encontraron a través de la música de Marley, la inspiración para formar su banda y grabar sus propias canciones, surgió así "The Refugee All Stars", con una mezcla que incluye Reggae, Música Bubu islámica de Sierra Leona y Música Goombay de África Occidental.

En 2010, cuando 33 mineros chilenos fueron rescatados de una mina luego de 69 días, se escuchó "Buffalo Soldier", canción que cuenta el sufrimiento de los esclavos y su reclutamiento para luchar en América.

En Wall Street, las protestas de 2011 (que se extendieron por otras partes del mundo) revelaron la desigualdad social y económica, la codicia corporativa y la complicidad de los gobiernos. Se escuchó entonces "Get Up Stand Up", himno de Marley que se sigue repitiendo en cada manifestación: "Algunas personas piensan que un gran Dios bajará del cielo y que la gente se sienta bien, pero si sabes lo que vale la vida, buscarás la tuya en la tierra, aquí y ahora,  veamos la luz, defendamos nuestros derechos!"

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Pink Floyd es una banda de rock británica fundada en Londres en 1965, famosa por su música psicodélica y progresiva, destacada por sus innovaciones técnicas en la producción de sonido.

La formación original incluyó a Syd Barrett (guitarra, voz), Roger Waters (bajo, voz), Richard Wright (teclados, voz) y Nick Mason (batería). Barrett se retiró del grupo en 1968 por problemas de salud mental y fue reemplazado por David Gilmour, quien se unió a la banda como guitarrista y vocalista.

En 1985 Waters dejó la banda y continuó su carrera en solitario, mientras que Gilmour, Wright y Mason continuaron grabando y tocando como Pink Floyd. En 2005 los cuatro se reunieron para un concierto benéfico llamado Live 8, un año después murió Barret y en 2018 falleció Wright.  

En 1973 alcanzaron su mayor éxito comercial con su álbum "The Dark Side of the Moon", álbum que se convirtió en uno de los más vendidos de todos los tiempos. Luego la banda lanzó varios álbumes más que fueron aclamados por la crítica, como "Wish You Were Here" y "The Wall".

El álbum es considerado una obra maestra del rock progresivo y uno de los discos más influyentes y exitosos de la historia de la música con su mezcla de rock, jazz, electrónica y una temática conceptual que gira en torno al tiempo, la muerte, la avaricia y la locura. Cada canción es una obra maestra en sí misma y juntas conforman una experiencia auditiva inolvidable.

"The Dark Side of the Moon" fue además un gran éxito comercial, vendiendo más de 45 millones de copias en todo el mundo.

El álbum cumple 50 años, fue grabado en los estudios Abbey Road en Londres y producido por el ingeniero de sonido Alan Parsons y por todo el grupo, utilizando tecnología de vanguardia en el campo de la grabación y la producción de audio en esos tiempos. También se utilizaron efectos de sonido y grabaciones de campo para agregar profundidad y textura al sonido del álbum.

En lugar de grabar cada canción en su totalidad, se grabaron partes de diferentes tomas y se mezclaron en una única pista. Una de las características más notables de "The Dark Side of the Moon" es la transición fluida y sin interrupciones entre las canciones. Las canciones están conectadas entre sí mediante efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que crea una sensación de continuidad en todo el álbum, lo cual se convirtió en una de las principales influencias en la música progresiva y la música rock posterior.

"The Dark Side of the Moon" ha obtenido numerosos premios, distinciones y récords. En 1974, la Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos (RIAA) le otorgó el disco de platino por la venta de 1 millón de copias en los USA. El álbum ha sido certificado 15 veces platino en los EE. UU. hasta la fecha. En 1999, fue incluido en el Salón de la Fama del Grammy y en 2003, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 43 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En 2011, "The Dark Side of the Moon" fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, que selecciona anualmente grabaciones que son "cultural, histórica o estéticamente significativas".

Además, permaneció en la lista de los 200 álbumes más vendidos del Reino Unido durante 741 semanas consecutivas, lo que equivale a casi 14 años, récord de permanencia que aún no ha sido superado por ningún otro álbum.

AQUÍ SE PUEDE ESCUCHAR SU EDICIÓN MASTERIZADA 50 ANIVERSARIO

La portada de "The Dark Side of the Moon" es una de las más icónicas y reconocidas de la historia de la música. Fue diseñada por el grupo de arte gráfico Hipgnosis, liderado por Storm Thorgerson y representa un rayo de luz blanca que atraviesa un prisma triangular y se descompone en un espectro de colores en el otro extremo.

La idea era simbolizar el viaje de la luz a través del prisma, que se asemeja a un triángulo, representando la música del grupo, que descompone los diferentes elementos de la vida humana en una amplia gama de emociones. El prisma también sugiere la idea de que Pink Floyd arroja luz sobre la oscuridad, explorando temas oscuros y profundos a través de su música.

La idea se le ocurrió a Thorgerson después de escuchar las letras de la canción "Eclipse" del álbum, que incluyen la frase "todo es oscuro" y quiso crear una imagen que reflejara la luz y la oscuridad, decidiendo luego usar un prisma para simbolizar la separación de la luz blanca en sus colores componentes. La imagen del prisma fue creada a través de un proceso de fotografía experimental en el que un prisma de cristal fue utilizado para crear el efecto de refracción de la luz.

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Joseph Kwabena Nketia (1921-2019) fue un musicólogo, compositor y ethnomusicólogo ghanés considerado la figura más importante en el estudio de la música africana del siglo XX. Su trabajo fue fundamental para darle a la música del continente un estatus académico propio y liberarla de los análisis basados en parámetros occidentales.

Entre sus contribuciones fundamentales se cuenta la descolonización del análisis musical, el desarrollo de metodologías y terminologías específicas para analizar la música africana , rechazando la notación musical occidental como única herramienta válida, priorizando la oralidad y la función social de la música.

Fue director del Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana, donde impulsó la investigación de campo y la documentación sistemática de músicas tradicionales que estaban en riesgo de desaparecer.

Su influencia trascendió África, enseñando en prestigiosas universidades de Estados Unidos y asesorando a organismos como la UNESCO. Recibió numerosos honores internacionales por su labor. El trabajo de Kwabena es la base sobre la que se construye la musicología africana contemporánea, siendo una figura clave para entender la identidad cultural y padre intelectual de los estudios modernos de música en el continente africano.

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Más que un género musical, la SALSA es un término que agrupa y comercializa ritmos caribeños preexistentes como el son cubano, el mambo, la guaracha, la bomba, la plena puertorriqueña y el jazz latino. La palabra se usaba desde los años 1930 en los ambientes latinos como una expresión de sabor y energía, más tarde fue acuñada como etiqueta comercial a finales de los años 1960, principalmente en Nueva York, para darle una identidad unificada a la música latina que hacían los caribeños (cubanos, puertorriqueños, dominicanos y otros) en la ciudad.

La palabra SALSA captura perfectamente la esencia de la música: sabor, mezcla, picante, energía y vitalidad, representando además la fusión de culturas afrocaribeñas en el crisol urbano de Nueva York.

El mismísimo Ruben Blades afirma que la música que conocemos como SALSA es una evolución de la música cubana. Si bien el mundo adoptó el nombre comercial de SALSA, ideado por la discográfica Fania en Nueva York, se trata de música afro-cubana con aportes de jazz y alguna cosa más.

Aquí una síntesis de los orígenes del género, sus antecedentes, su esplendor y su vigencia.

El escritor cubano Leonardo Padura integra la salsa de manera profunda y esencial en su obra, yendo más allá de un simple adorno ambiental. Para Padura, la salsa no es decoración sino un personaje más, es la clave para entender el alma, la historia y las contradicciones de Cuba.

A través de ella, logra crear una literatura profundamente arraigada en la identidad sonora de la isla, donde la música es tanto un refugio emocional para sus personajes como un instrumento de análisis social para el autor. Aquí abajo un ejemplo:

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Síntesis de la evolución de la música jamaiquina

¿Cómo nació el reggae? ¿Qué relación tiene con el mento, el calypso y el r&b? ¿De dónde surgieron el rocksteady, el dub y el dancehall?

Un recorrido cronológico por más de 70 años de música jamaiquina, desde las tradiciones populares, las influencias caribeñas y estadounidenses de los años 50, hasta las nuevas generaciones. Cambios en el ritmo, los instrumentos, la tecnología y las formas de producción.

La música acompañando procesos de identidad, espiritualidad, protesta y transformación social. Una historia que demuestra que los géneros musicales no aparecen de la nada sino que se transforman, se mezclan y vuelven a reinventarse.

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PREMIOS GRAFFITI 2025

Los Premios Graffiti nacieron en el año 2003 con el objetivo de premiar al Rock uruguayo.

Con el paso de los años, se transformaron en el premio más representativo de la música nacional, convirtiéndose en los Premios a la Música Uruguaya e integrando a todos los géneros musicales, de los cuales premia cada año su producción discográfica.

Los números de una escena en movimiento

Más de 3100 postulaciones, 39 categorías y una lista que vuelve a mostrar la diversidad de la música uruguaya. Nombres consagrados, artistas emergentes y una escena cada vez más difícil de encerrar en etiquetas.

La gran protagonista fue Florencia Núñez, que encabezó las nominaciones con 8 candidaturas. Le siguieron Filo, Eté & Los Problems y Bárbara Jorcin. En las categorías principales aparecen, entre otros, Julieta Rada, Filo, Eté & Los Problems, Bárbara Jorcin y Florencia Núñez disputando el Álbum del Año. Rock, pop, candombe, plena, música tropical, hip hop, trap, reguetón y electrónica comparten espacio con la música popular uruguaya.

Los Graffiti (a pesar de polémicas y ausencias lógicas de este tipo de premios) siguen funcionando así como una radiografía anual de lo que se está creando y escuchando en Uruguay, una escena amplia, diversa y en permanente movimiento.

Los clips nominados para MEJOR VIDEO CLIP DEL AÑO 2025 son:

Airport Risotto – Zeballos ft. Wesley Schultz / Asimetría

Arde – Inés Errandonea / IND

El tambor – Julieta Rada / IND

Ismael – Eté & Los Problems / Little Butterfly Records

La vida empieza – Jorge Nasser, Fabián Krut, Raúl Castro y Agarrate Catalina / MMG

Y los clips nominados para MEJOR VIDEO CLIP EN VIVO del año 2025 son:

Asesino son – Chole ft. Alejandro Balbis,

Martín Quiroga / MMG

En subida – FILO / Bizarro

Felipe Plef – Fernando Cabrera – Ayuí

La canción pide la canción tiene – Diego González con Boni / Bizarro

La niebla – Agarrate Catalina y Luana / MMG

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Aunque a veces disffutamos del silencio y otras veces no nos gusta mucho lo que suena, la mayoría de las personas escuchamos música todo el tiempo. La mayor parte de esa música son CANCIONES.

Una canción está formada por dos elementos fundamentales: la letra y la música. La letra transmite ideas, emociones o historias a través de palabras. La música acompaña con ritmo, melodía y armonía, potenciando el mensaje. Comprender cómo se combinan nos permite valorar mejor el arte de componer y disfrutar más profundamente lo que escuchamos.

Hrishikesh Hirway es un músico, productor y creador del podcast Song Exploder, luego adaptado para TV por Netflix. En esta charla TED comparte su experirencia y explica cómo escuchar música realmente, metiéndose en las canciones para una experiencia más profunda.

 

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Los Premios Graffiti nacieron en el año 2003 con el objetivo de premiar al Rock uruguayo.

Con el paso de los años, se transformaron en el premio más representativo de la música nacional, convirtiéndose en los Premios a la Música Uruguaya e integrando a todos los géneros musicales, de los cuales premia cada año su producción discográfica.

Los números detrás de las nominaciones

En esta edición se recibieron más de 3300 postulaciones y hay nominaciones en 40 categorías. Entre los artistas con más candidaturas se destacan GARO y La Triple Nelson con 8 nominaciones cada uno, seguidos por la banda Niña Lobo, Jorge Nasser y La Nueva Escuela.

Esto números también cuentan sobre la diversidad de una escena musical en la que conviven rock, pop, candombe, música popular, tango, folclore, hip hop, electrónica, plena, música tropical y otras nuevas corrientes.

Si bien este tipo de premios funcionan como una fotografía parcial y cuestionable, muestran un amplio panorama sobre la música que se hace hoy en Uruguay.

Los clips nominados para MEJOR VIDEO CLIP del año 2026 son:

Bye bye bye amor – Diego Drexler ft. Ana Prada / Wannaclap Records

Montevideo despierta – Niña Lobo / IND

Delirio en el tiempo – Fer O – Smith / IND

Sueño – La Triple Nelson / MMG

Un amor así – Florencia Núñez / Altafonte

Y los clips nominados para MEJOR VIDEO CLIP EN VIVO del año 2026 son:

Aroma a sal – Vicky Ripa ft. Fede Lima / Bizarro

Biromes y servilletas – Laura Canoura / Leo Maslíah / MMG

Desconfio – El Asado / Bizarro

Just be good to me – Martes on Fire, Francisco Fattoruso, Camila Sapin, Matías Rada / MMG

Sigue siendo rocanrol – Alejandra Wolff & Tabaré Rivero / Bizarro

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El término LATIN MUSIC se empezó a utilizar a partir de los años 50 en Estados Unidos para referirse a los ritmos musicales típicos de América Latina, buscando además diferenciarlos de los estilos de origen Afroamericano como el Blues, el Jazz o el Rock and Roll.

A menudo desde el norte no se distingue lo mexicano de lo argentino, o la cumbia colombiana de ritmos cubanos. Nosotros desde el sur sí podemos, sabemos y debemos referirnos a las cosas por su nombre, respetando su historia y su identidad.

Los sonidos vibrantes y la riqueza cultural de Latinoamérica de esta lista de videos resaltan la diversidad y la creatividad de la música de nuestra región. Diferentes géneros musicales conforman la escena musical latinoamericana, salsa, merengue, plena, cumbia y muchos ritmos más. Artistas icónicos y otros menos masivos de todo el continente ofrecen en su música la belleza y los colores de las culturas latinoamericanas.

LISTA EN YOUTUBE - https://www.youtube.com/watch?v=DkFJE8ZdeG8&list=PLxxkcg23SpjXtW54kHfg4fUSoP0h6pczd

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Larbanois & Carrero: música, identidad y compromiso en la canción uruguaya

El dúo Larbanois & Carrero, formado por Eduardo Larbanois y Mario Carrero en 1977 es una de las expresiones más significativas de la música popular uruguaya. Su larga e intensa trayectoria, que pisa el medio siglo, se caracteriza por la unión entre calidad artística, compromiso social y sentido de pertenencia cultural.

Su proyecto integra la poesía, la música popular y la reflexión sobre la realidad del país. En tiempos de dictadura, sus canciones aportaron esperanza, identidad y conciencia crítica, convirtiéndose en referentes de resistencia cultural.

A lo largo de su extensa obra, el dúo ha abordado temas como la memoria, el trabajo, la justicia social, la naturaleza y el paso del tiempo, siempre desde una mirada sensible y profundamente humana. Su estilo combina ritmos del folclore uruguayo y latinoamericano con elementos de la canción urbana, el canto popular, el candombe, la murga e incluso el rap, logrando un lenguaje musical propio y reconocible.

Siempre dispuestos y solidarios con las causas de los más humildes, han participado de las instancias más importantes de la lucha sindical, obrera y popular. También comparten generosamente escenario con otros jóvenes talentos uruguayos.

Larbanois & Carrero no solo son parte de la historia musical del Uruguay, sino también de su educación cultural. Su obra invita a pensar, a sentir y a mantener viva la memoria colectiva. Escucharlos es una manera de aprender sobre el país, su gente y sus valores a través de la música y el arte.

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Sheila Blanco es una cantante, compositora y divulgadora cultural española. Es conocida por fusionar textos con música, tanto clásica como pop, rock, folk y jazz, con un estilo muy personal.

En sus BIOCLASSICS, canta las melodías de las obras más populares de la música clásica con una letra que ella escribe para resumir la vida y obra de compositores como Mozart, Beethoven, Bach, Vivaldi, entre muchos.

Aquí algunos ejemplos:

LISTA COMPLETA EN SU CANAL DE YOUTUBE

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1° de AGOSTO

El 1° de agosto de 1981 a la medianoche, comenzó a transmitir en Estados Unidos un canal que cambiaría para siempre la forma de vivir la música: MTV – Music Television. Su lema era claro: “Nunca verás la música de la misma manera”. El primer videoclip emitido fue “Video Killed the Radio Star” de The Buggles, una elección simbólica que anunciaba el poder de la imagen por encima de la radio.

Por primera vez, los jóvenes podían ver durante todo el día no solo escuchar las canciones, sino también asociarlas a una estética, un relato y una identidad visual. Los artistas entendieron rápidamente el impacto: Michael Jackson, Madonna, Duran Duran y muchos otros desarrollaron sus carreras en parte gracias a los videoclips, que se volvieron herramientas artísticas y de marketing indispensables.

Sin embargo, el fenómeno no estuvo libre de críticas. Al poner la imagen en primer plano, muchos músicos fueron marginados por no encajar en los estándares de belleza televisivos. Además, en sus inicios, MTV fue acusada de discriminar a artistas afroamericanos, negándose a programar sus videos hasta que el enorme éxito de Michael Jackson y su “Billie Jean” obligó a la cadena a abrir espacio a la diversidad.

MTV marcó una tendencia que llega hasta hoy. Los videoclips de los años 80 hoy copan las plataformas como YouTube o TikTok, la unión entre música e imagen sigue definiendo cómo descubrimos, consumimos y compartimos canciones.

Aquí podemos revivir los primeros minutos de aquel sábado 1° de agosto de 1981.

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