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Las TED Talks nacieron en los años ochenta como una conferencia anual que reunía a especialistas en Tecnología, Entretenimiento y Diseño (TED). Su objetivo era crear un espacio donde las ideas innovadoras pudieran compartirse de manera accesible y estimulante. Con el tiempo, el formato evolucionó hasta convertirse en una plataforma global de divulgación, conocida por sus charlas breves, dinámicas e inspiradoras, bajo el lema: “Ideas worth spreading”, ideas que vale la pena difundir.


Las Charlas TED se han convertido en un interesante espacio para explorar ideas que transforman la manera en que entendemos el mundo. Reúnen a especialistas, artistas, investigadores y pensadores que, en pocos minutos, ofrecen perspectivas accesibles para todo público.

Dentro de este enorme universo de charlas, las que abordan la música ocupan un lugar privilegiado. A veces analizando su poder emocional o su impacto cultural, otras su relación con la ciencia, la creatividad y el aprendizaje. También permiten descubrir procesos artísticos, nuevas tecnologías sonoras y reflexiones sobre el papel de la música en nuestras vidas.

Aquí una breve selección de las mejores y más populares Charlas TED sobre música, para ampliar la mirada, inspirar proyectos y disfrutar de voces que piensan desde ángulos originales.


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En 2009 la Unesco declaró al Candombe como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por su valor como Espacio Sociocultural y Práctica Comunitaria. En 2006, la Ley 18059 había declarado el 3 de diciembre como Día Nacional del Candombe, la Cultura Afrouruguaya y la Equidad Racial.

Esa fecha fue elegida por recordar el triste desalojo del conventillo Mediomundo por parte de la dictadura cívica y militar en 1978, que sería demolido 2 días después. Ese día, una llamada espontánea rechazó la prepotencia y la injusticia, que pretendió aniquilar la manifestación popular de los tambores, trasladando a esas familias a diferentes barrios de la ciudad. (foto de Ferruccio Musitelli, Mediomundo, 1954)

Pero ¿qué es el candombe, de qué se trata este ritual? Aquí nos lo esxplica Hugo Fattoruso, quien en sintéticas palabras escritas por Fernando Lobo Núñez, referente de la cultura del candombe afromontevideano, lo define en forma maravillosa.


Sergio Ortuño (músico, docente y escritor) en su libro El tambor y sus voces, resume la importancia del candombe de esta manera: "Originalmente practicado por los afro descendientes, el candombe ha calado en la sociedad uruguaya que lo ha incorporado y lo vive como uno de los elementos culturales de su identidad. En los últimos años ha ido creciendo como expresión de la cultura nacional, practicándose el toque de tambor frecuentemente en barrios y ciudades, donde su sonido incorporado al paisaje urbano, constituye un factor de integración social y crisol de razas, con un impresionante potencial para contribuir a  la superación de la discriminación y el racismo, desde la valoración de la diversidad cultural como un capital colectivo al que mucho han apostado los afrodescendientes".

Cada 3 de diciembre celebramos y compartimos estos excelentes videos, seriamente realizados por el Centro Nacional de Documentación Lauro Ayestarán, dependiente del Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay. En ellos se presentan los toques de los diferentes barrios de Montevideo, a través del testimonio de sus propios referentes.



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Excelente producción de TNU, MEC, Comisión de Patrimonio Cultural y UNESCO.

En las voces de una estirpe de viejos candomberos y sus naturales herederos, se entrelazan imperdibles relatos que pintan la antigua historia del fenómeno cultural montevideano por excelencia: el Candombe.



 

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CANCIONES URUGUAYAS

LARBANOIS & CARRERO

SANTAMARTA y ALGORITMOS


De Santamarta a Algoritmos, una mirada crítica a la cultura y la tecnología.


Larbanois & Carrero es uno de los dúos más representativos de la música popular uruguaya, ha sabido retratar con sensibilidad y compromiso las transformaciones culturales del país y del mundo. Su obra combina la raíz folclórica con una mirada poética y reflexiva sobre la realidad social.

En ese sentido, dos de sus canciones, Santamarta (2001) y Algoritmos (2025), pueden leerse en conjunto, pues con 25 años de distancia exploran las tensiones entre la cultura, la identidad y el avance tecnológico.

En Santamarta, la palabra es memoria. La canción evoca un universo cultural en riesgo de desaparecer. Es una defensa del arraigo y de los valores humanos frente a la modernización que amenaza a las raíces y la identidad.


En Algoritmos la mirada se desplaza hacia el presente digital, un mundo regido por la velocidad, la vigilancia y la lógica de los datos. Allí la crítica apunta al poder invisible de la tecnología para modelar y vigilar las conductas de las personas.


De la pérdida de lo local a la pérdida de lo humano, de la erosión de la cultura popular a la deshumanización provocada por la dependencia tecnológica, las canciones nos recuerdan que sin memoria y conciencia crítica, el desarrollo puede convertirse en amenaza.

¿Qué lugar le damos a la sensibilidad, la comunidad y la palabra en tiempos de algoritmos?




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JORGE DREXLER

PREMIOS GRAMMY LATINOS


 El músico uruguayo Jorge Drexler se llevó una estatuilla en Mejor canción pop/rock por “Desastres fabulosos”, el tema que lanzó junto a la banda argentina Conociendo Rusia y en la que también participó su hijo Pablo. Esta canción también estuvo nominada como Mejor Grabación del Año .



Se trata del Grammy Latino número 17 para Drexler, por lejos el uruguayo más premiado por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación, que reconoce la excelencia artística y técnica de la música grabada, mediante una votación anual entre pares.


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Año a año en Uruguay, los Premios Graffiti reconocen la obra de los artistas uruguayos. El jurado se integra por decenas de periodistas, productores, escritores y técnicos de diversos géneros, vinculados con la música. También hay menciones que otorga el público votando por internet.

De acuerdo al reglamento, se otorgan premios en diferentes categorías, por ejemplo TEMA DEL AÑO. La siguiente es una lista con los ganadores de ese rubro desde la creación de los premios en 2003 hasta hoy.

ACLARACIÓN: Las canciones pertenecen a discos editados el año anterior a su premiación, por ejemplo la canción premiada en 2007 "Yendo a la casa de Damián" del Cuarteto de Nos, pertenece al disco Raro del año 2006.


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El término LATIN MUSIC se empezó a utilizar a partir de los años 50 en Estados Unidos para referirse a los ritmos musicales típicos de América Latina, buscando además diferenciarlos de los estilos de origen Afroamericano como el Blues, el Jazz o el Rock and Roll. A menudo desde el norte no se distingue lo mexicano de lo argentino, o la cumbia colombiana de rimos cubanos,. Nosotros desde el sur sí podemos, sabemos y debemos referirnos a las cosas por su nombre, respetando su historia y su identidad.



Los sonidos vibrantes y la riqueza cultural de Latinoamérica de esta lista de videos resaltan la diversidad y la creatividad de la música de nuestra región. Diferentes géneros musicales conforman la escena musical latinoamericana, salsa, merengue, plena, cumbia y muchos ritmos más. Artistas icónicos y otros menos masivos de de todo el continente ofrecen en su música la belleza y los colores de las culturas latinoamericanas.


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Larbanois & Carrero: música, identidad y compromiso en la canción uruguaya


El dúo Larbanois & Carrero, formado por Eduardo Larbanois y Mario Carrero en 1977 es una de las expresiones más significativas de la música popular uruguaya. Su larga e intensa trayectoria, que pisa el medio siglo, se caracteriza por la unión entre calidad artística, compromiso social y sentido de pertenencia cultural.

Su proyecto integra la poesía, la música popular y la reflexión sobre la realidad del país. En tiempos de dictadura, sus canciones aportaron esperanza, identidad y conciencia crítica, convirtiéndose en referentes de resistencia cultural.


A lo largo de su extensa obra, el dúo ha abordado temas como la memoria, el trabajo, la justicia social, la naturaleza y el paso del tiempo, siempre desde una mirada sensible y profundamente humana. Su estilo combina ritmos del folclore uruguayo y latinoamericano con elementos de la canción urbana, el canto popular, el candombe, la murga e incluso el rap, logrando un lenguaje musical propio y reconocible.

Siempre dispuestos y solidarios con las causas de los más humildes, han participado de las instancias más importantes de la lucha sindical, obrera y popular. También comparten generosamente escenario con otros jóvenes talentos uruguayos.



Larbanois & Carrero no solo son parte de la historia musical del Uruguay, sino también de su educación cultural. Su obra invita a pensar, a sentir y a mantener viva la memoria colectiva. Escucharlos es una manera de aprender sobre el país, su gente y sus valores a través de la música y el arte.



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Pink Floyd es una banda de rock británica fundada en Londres en 1965, famosa por su música psicodélica y progresiva, destacada por sus innovaciones técnicas en la producción de sonido.

La formación original incluyó a Syd Barrett (guitarra, voz), Roger Waters (bajo, voz), Richard Wright (teclados, voz) y Nick Mason (batería). Barrett se retiró del grupo en 1968 por problemas de salud mental y fue reemplazado por David Gilmour, quien se unió a la banda como guitarrista y vocalista.


En 1985 Waters dejó la banda y continuó su carrera en solitario, mientras que Gilmour, Wright y Mason continuaron grabando y tocando como Pink Floyd. En 2005 los cuatro se reunieron para un concierto benéfico llamado Live 8, un año después murió Barret y en 2018 falleció Wright.  

En 1973 alcanzaron su mayor éxito comercial con su álbum "The Dark Side of the Moon", álbum que se convirtió en uno de los más vendidos de todos los tiempos. Luego 
la banda lanzó varios álbumes más que fueron aclamados por la crítica, como "Wish You Were Here" y "The Wall".

El álbum es considerado una obra maestra del rock progresivo y uno de los discos más influyentes y exitosos de la historia de la música con su mezcla de rock, jazz, electrónica y una temática conceptual que gira en torno al tiempo, la muerte, la avaricia y la locura. Cada canción es una obra maestra en sí misma y juntas conforman una experiencia auditiva inolvidable.

"The Dark Side of the Moon" fue además un gran éxito comercial, vendiendo más de 45 millones de copias en todo el mundo.


El álbum cumple 50 años, fue grabado en los estudios Abbey Road en Londres y producido por el ingeniero de sonido Alan Parsons y por todo el grupo, utilizando tecnología de vanguardia en el campo de la grabación y la producción de audio en esos tiempos. También se utilizaron efectos de sonido y grabaciones de campo para agregar profundidad y textura al sonido del álbum.

En lugar de grabar cada canción en su totalidad, se grabaron partes de diferentes tomas y se mezclaron en una única pista. Una de las características más notables de "The Dark Side of the Moon" es la transición fluida y sin interrupciones entre las canciones. Las canciones están conectadas entre sí mediante efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que crea una sensación de continuidad en todo el álbum, lo cual se convirtió en una de las principales influencias en la música progresiva y la música rock posterior.

"The Dark Side of the Moon" ha obtenido numerosos premios, distinciones y récords. En 1974, la Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos (RIAA) le otorgó el disco de platino por la venta de 1 millón de copias en los USA. El álbum ha sido certificado 15 veces platino en los EE. UU. hasta la fecha. En 1999, fue incluido en el Salón de la Fama del Grammy y en 2003, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 43 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En 2011, "The Dark Side of the Moon" fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, que selecciona anualmente grabaciones que son "cultural, histórica o estéticamente significativas".

Además, permaneció en la lista de los 200 álbumes más vendidos del Reino Unido durante 741 semanas consecutivas, lo que equivale a casi 14 años, récord de permanencia que aún no ha sido superado por ningún otro álbum.

AQUÍ SE PUEDE ESCUCHAR SU EDICIÓN MASTERIZADA 50 ANIVERSARIO



La portada de "The Dark Side of the Moon" es una de las más icónicas y reconocidas de la historia de la música. Fue diseñada por el grupo de arte gráfico Hipgnosis, liderado por Storm Thorgerson y representa un rayo de luz blanca que atraviesa un prisma triangular y se descompone en un espectro de colores en el otro extremo.

La idea era simbolizar el viaje de la luz a través del prisma, que se asemeja a un triángulo, representando la música del grupo, que descompone los diferentes elementos de la vida humana en una amplia gama de emociones. El prisma también sugiere la idea de que Pink Floyd arroja luz sobre la oscuridad, explorando temas oscuros y profundos a través de su música.


La idea se le ocurrió a Thorgerson después de escuchar las letras de la canción "Eclipse" del álbum, que incluyen la frase "todo es oscuro" y quiso crear una imagen que reflejara la luz y la oscuridad, decidiendo luego usar un prisma para simbolizar la separación de la luz blanca en sus colores componentes. La imagen del prisma fue creada a través de un proceso de fotografía experimental en el que un prisma de cristal fue utilizado para crear el efecto de refracción de la luz.



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CANCIONES IMPORTANTES

PODERES PODRIDOS - CAETANO VELOSO

En su disco Velo del año 1984, el artista brasilero Caetano Veloso publica esta gran canción Podres Poderes (Poderes Podridos). Tiempos de cierta apertura política tras la dictadura sufrida por el pueblo de Brasil. Una salida gradual en la cual la represión, la censura y a violencia aún estaban muy presentes.

Muchos artistas e intelectuales sentían que la transición era demasiado lenta y que los "poderes podridos" (fuerzas retrógradas del régimen militar, torturadores, censura, civiles y medios afines) seguían operando con impunidad, sin rendir cuentas por los crímenes cometidos.



La canción habla de estos asuntos, aquí la letra traducida:

Mientras los hombres ejercen sus poderes podridos
las motocicletas y los fuscas se saltan los semáforos en rojo
y pierden las verdes. Somos idiotas.

Quise gritar setecientas mil veces
que bonitos son los burgueses y los japoneses,
pero todo es mucho más.

¿Alguna vez haremos algo más que confirmar
la incompetencia de la América católica,
que necesitará siempre tiranos ridículos?

¿Será que mi estúpida retórica
tendrá que sonar, habrá que oírse
por otros muchos años?

Mientras los hombres ejercen sus poderes podridos,
indios, sacerdotes, maricas, negros, mujeres
y adolescentes hacen el carnaval.

Quisiera cantar en sintonía con ellos.
con respeto por su trance en éxtasis.
Ser indecente, pero todo esta muy mal.

¿Será que cada paisano y cada capataz
con su estupidez derramarán su sangre,
en los humedales, en las ciudades, en las catingas
y en general?

¿Podrá ser que sólo los hermetismos pascuales,
los tonos, los mil tonos, sus sonidos y sus genios
nos salvarán de esta oscuridad?
¿Y nada más?

Mientras los hombres ejercen sus poderes podridos,
morir y matar de hambre, de rabia y de sed,
muchas veces son gestos naturales.

Quiero acercar mi cantar vagabundo,
de los que velan por la alegría del mundo,
yendo hasta al fondo.
Latas, bienes y cosas así.


Comentarios del propio Caetano sobre la canción:

"Podres Poderes tiene mucho que ver con el rock'n'roll y su letra tiene mucho que ver con los temas en los que insistí a lo largo del tiempo, ligados al deseo de que mis acciones tengan una función poético-política. Es un intento de hacer la vida difícil a quienes trabajan para impedir la emancipación del pueblo brasileño.

Podres Poderes es una canción que explica el imaginario detrás de este deseo - una crítica a nuestra incompetencia y terquedad de mantenerla como escudo contra la responsabilidad. Ese es mi tema, además del esfuerzo por romper este asedio que significa que Brasil, a pesar de todo lo que hemos pasado, todavía tiene una abrumadora mayoría de personas sin acceso a bienes materiales y culturales".

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Sheila Blanco es una cantante, compositora y divulgadora cultural española. Es conocida por fusionar textos con música, tanto clásica como pop, rock, folk y jazz, con un estilo muy personal.



En sus BIOCLASSICS, canta las melodías de las obras más populares de la música clásica con una letra que ella escribe para resumir la vida y obra de compositores como Mozart, Beethoven, Bach, Vivaldi, entre muchos.

Aquí algunos ejemplos:



LISTA COMPLETA EN SU CANAL DE YOUTUBE



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En inglés un “tiny desk” sería algo así como un “escritorio pequeño”.

Las presentaciones llamadas TINY DESK CONCERTS son una serie de conciertos organizados por la NPR (National Public Radio, o sea la radio pública de los Estados Unidos) y se llevan a cabo en las oficinas de la propia radio en Washington. Esos más de 1200 videos son posteriormente subidos a YOUTUBE, donde han recibido millones de visualizaciones.


Aquí los 10 conciertos más populares:



El éxito de Tiny Desk Concerts se debe a la intimidad que generan sus sesiones, donde los artistas deben mostrar su música con los componentes más esenciales y en un formato mínimo, sin ediciones ni correcciones posteriores. Desde 2008 se han presentado en este formato artistas de diversas partes del mundo, desde Taylor Swift a Jorge Drexler, pasando por Nicki Nicole y Maluma, entre muchísimos otros/as.

En octubre de 2024 fue el turno del dúo argentino formado por Ca7riel & Paco Amoroso, quienes superaron los 10 millones de reproducciones en un mes con una presentación memorable. Un año después son 44 millones las vistas y se encuentra entre los más populares del canal, superando a Coldplay, Adele y Harry Styles, por ejemplo.


Despojados de artilugios electrónicos, tocaron en Tiny Desk con arreglos musicales que deslumbraron a varias generaciones, con un sonido sofisticado y también accesible. En sólo 20 días realizaron y ensayaron los arreglos para el concierto, sumando a los músicos que los acompañan habitualmente, una excelente elección de sesionistas. Una fina mezcla de jazz, funk, trap, bossa y otros géneros en estos 16 minutos de música.

Acá un popular músico, cantante y productor chileno llamado Pablo Vargas, analiza y se sorprende con la calidad de la interpretación.


C.TANGANA EN TINY DESK -  CLICK ACÁ 🎶

BILLIE EILISH EN TINY DESK - CLICK ACÁ 🎶

NICKI NICOLE EN TINY DESK - CLICK ACA 🎶

La IA puede componer melodías, generar letras y hasta imitar voces humanas, pero ¿puede realmente crear música? Revoluciona la música con gran velocidad y accesibilidad, pero aún no conoce lo que significa el ¡eureka! creativo de Arquímedes.


Este artículo explora el impacto de la IA en la creatividad musical, sus ventajas y límites frente a la emoción, la inspiración y la memoria colectiva que hacen único al arte humano.



Harvey Jay Mason Jr. es productor y compositor, participando con artistas como Aretha Franklin , Michael Jackson , Beyoncé , Whitney Houston , Justin Bieber y Ariana Grande. En esta charla TED aborda el riesgo de la IA como sustituta de los músicos y creadores.


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PREMIOS GRAFFITI 2025


Los Premios Graffiti nacieron en el año 2003 con el objetivo de premiar al Rock uruguayo.

Con el paso de los años, se transformaron en el premio más representativo de la música nacional, convirtiéndose en los Premios a la Música Uruguaya e integrando a todos los géneros musicales, de los cuales premia cada año su producción discográfica.


Los clips nominados para MEJOR VIDEO CLIP DEL AÑO 2025 son:

Airport RisottoZeballos ft. Wesley Schultz / Asimetría

ArdeInés Errandonea / IND

El tamborJulieta Rada / IND

Ismael – Eté & Los Problems / Little Butterfly Records

La vida empiezaJorge Nasser, Fabián Krut, Raúl Castro y Agarrate Catalina / MMG


Y los clips nominados para MEJOR VIDEO CLIP EN VIVO del año 2025 son:

Asesino sonChole ft. Alejandro Balbis,

Martín Quiroga / MMG

En subidaFILO / Bizarro

Felipe PlefFernando Cabrera – Ayuí

La canción pide la canción tieneDiego González con Boni / Bizarro

La niebla – Agarrate Catalina y Luana / MMG


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MUSICAEMPILA – Educación Musical es un blog uruguayo creado por Roberto García Cabrera, docente de Educación Musical en Montevideo, activo en la plataforma Blogger desde junio de 2013.

El sitio está dedicado a la divulgación y enseñanza de la música y en él se publican materiales sobre sonido, instrumentos musicales, el canto y la canción, géneros y tradiciones culturales como el candombe y la música popular uruguaya, además de efemérides y análisis de obras.

Su enfoque educativo y reflexivo busca promover la apreciación musical como parte de la formación cultural, con un lenguaje accesible, recursos multimedia y vínculos con proyectos complementarios.

MUSICAEMPILA es un espacio independiente de educación y divulgación musical con énfasis en la identidad musical de América Latina, especialmente la uruguaya.