El Soul nació en Estados Unidos
en la década de 1950 a partir de la mezcla de diversos estilos musicales como
el rhythm & blues, el góspel y el jazz. En las iglesias evangélicas de
Georgia, Philadelphia o Mississippi estaban los pioneros: Sam Cooke, Ben E.King
& The Drifters y Ray Charles.
Resulta difícil
determinar dónde empieza el Soul, pero queda claro que sirvió para que los “ciudadanos
de segunda”, que por entonces debían ceder el asiento en el ómnibus, llevaran
su música de la iglesia a la calle, luego a las radios locales y clubes de
baile. También fue una buena salida laboral para cualquier
ciudadano negro que cantara bien. Así surgieron varias estrellas desde sellos
discográficos como Motown de Detroit y Stax en Memphis.
El mismísimo Martin Luther King
utilizó el Soul como medio para difundir su mensaje, “I’m Black, I’m Proud” gritaba
James Brown. Tiempo después, la industria y la
comunidad blanca prestó atención a esta música, que continuó en los 70, con Stevie Wonder, por ejemplo.
El Soul encarna la lucha entre lo
sagrado y lo profano, es arte afroamericano que sintetiza la palabra del evangelio
y la música del diablo, representada por el Blues, el Jazz y el Rhythm &
Blues.
De la mano de James Brown llegaría luego el Funk, centrado en el groove y poniendo énfasis en el primer tiempo
del compás. Se trata de un sonido más crudo y visceral, con protagonismo de lo
rítmico y fuertes líneas de bajo.
Papa's Got A Brand New Bag (James Brown,
1965) es considerado el primer Funk, que se consolidó años después con su otro éxito: Get Up
(I Feel Like Being a) Sex Machine.
Podemos resumir que la música popular norteamericana nació de la música de los inmigrantes europeos y de los cantos de los afrodescendientes esclavizados. De la se desarrolló el country, principalmente entre las poblaciones blancas del sur y oeste. De la segunda surgió el blues y luego el jazz.
Al principio sin mezclarse demasiado, sus caminos siguieron casi siempre separados hasta que se encontraron en el Rythm & Blues por un instante. De ahí nacieron el rock y el soul. Los grandes artistas blancos como Elvis Presley se apropiaron de la música de Little Richard, Chuck Berry y Sister Rossetta mientras los afroamericanos se aferraron al soul, luego al funk y después al hip hop. Por su parte, el country se convirtió en el género de los blancos, al que los afroamericanos no quisieron volver, salvo en algunas oportunidades.
El nuevo trabajo de Beyoncé "Cowboy Carter" no es un disco de country pero en él se encarna una fusión muy interesante. Es R&B potente y orgulloso, pero también al ritmo de guitarras country, música negra al son de la vieja europa colonizadora, música estadounidense.
A menudo desde el norte no se distingue lo mexicano de lo argentino, o la
cumbia colombiana de ritmos cubanos.
Nosotros desde el sur sí podemos, sabemos y debemos referirnos a las cosas por su nombre, respetando su historia y su identidad.
Los sonidos vibrantes y la riqueza cultural de Latinoamérica de esta lista de videos resaltan la diversidad y la creatividad de la música de nuestra región. Diferentes géneros musicales conforman la escena musical latinoamericana, salsa, merengue, plena, cumbia y muchos ritmos más. Artistas icónicos y otros menos masivos de todo el continente ofrecen en su música la belleza y los colores de las culturas latinoamericanas.
El 14 de septiembre de 1955, en los estudios J&M de Nueva Orleans, Little Richard grababa “Tutti Frutti”, una canción que cambiaría la historia de la música. En poco más de dos minutos, aquel grito salvaje y contagioso dio nacimiento al rock and roll, desafiando barreras sexuales, raciales y sonoras. Quedaba inaugurada una nueva era de libertad y rebeldía musical.
Aunque Richard Penniman había grabado desde 1951, sus discos habían sido relativamente poco considerados y no alcanzaron el éxito comercial esperado. A principios de 1955 envió una maqueta a Specialty Records, que fue escuchada por su propietario Art Rupe, quien vio potencial en las cintas y organizó una sesión de grabación para el mes de setiembre.
Con el acompañamiento de la banda de Fats Domino comenzó la sesión y a medida que el tiempo pasaba, Little Richard se iba frustrando porque su estilo salvaje de interpretación no era correctamente registrado. Durante la pausa del almuerzo fueron a un club de la zona y Richard empezó a tocar el piano y a cantar una canción atrevida que él mismo había compuesto. Comenzaba con el fremético grito:
¡ A wop bop a loo bop a lop bam boom !
El productor Robert "Bumps" Blackwell supo inmediatamente que la canción iba a ser un éxito, aunque la letra debía ser revisada, pues abusaba de cierto humor sexual, algo inadmisible en esos tiempos. La compositora Dorothy LaBostrie se encargó de revisar el texto y fue parte de los créditos. Un tercer nombre "Lubin" aparece como coautor y según parece era el seudónimo que usaba el propietario del sello para cobrar derechos por algunas canciones.
Lo cierto es que combinando boogie, gospel y blues, la canción introdujo varios de los rasgos musicales que serían característicos del futuro rock and roll: alta intensidad, un estilo vocal potente, un ritmo veloz y sincopado, en cuatro cuartos y con acentos en los tiempos pares, que luego sería consolidado por Chuck Berry y estandarizado para quienes les siguieron.
Además incluye un proyecto inmersivo y guiado que pretende establecer un recorrido atractivo para quienes deseen ser parte de la experiencia colectiva. Cada participante dispone de un dispositivo inalámbrico de largo alcance y altísima calidad, con el que va monitoreando tanto las canciones como los detalles del relato que el conductor narra en vivo.
Una guía permite entender a qué refiere cada composición, conocer a quiénes menciona y establecer el vínculo con el lugar o el tiempo. En el trayecto suenan canciones de los más diversos géneros: pop, rock, blues, milonga, tango, candombe o hip hop, de autores/as de todos los tiempos.
En cada barrio se establece un punto de salida y otro de arribo, donde habrá oportunidad de intercambiar sensaciones de la experiencia compartida. Los paseos tienen una duración aproximada de 1:45 H. Los recorridos disponibles son Ciudad Vieja, Barrio Sur, Parque Rodó, Malvín, Prado y Palermo.
EXTRAIDO DE TWITTER “La Historieta Musical” (Jesús Báez Alcaide)
Pocas cantantes supieron expresar tanto con su voz. Pocas se atrevieron en su época a hablar de la injusticia y el dolor con tanto sentimiento. Pocas sufrieron tanto como ella al hacerlo. Pocas se rompieron tanto al cantar.
Estamos en la primavera de 1939. En Europa, España presiente el final de una guerra que será el preludio de otra que está a punto de estremecer el mundo. En EEUU, una guerra más silenciosa lleva décadas librándose. Y en Nueva York, una figura atormentada sube a un escenario. El sitio es el Café Society, un club de jazz lleno de humo y oscuridad. Apenas unos centenares de personas es su aforo. Pero algo está a punto de cambiar con la canción que interpretará esa mujer. Se llama Eleonora, pero todo el mundo la conoce ya como Billie.
Es imposible decir que Eleonora Holiday Fagan tuviera una vida fácil. Ni siquiera remontándonos atrás en su familia encontramos un rastro de ello. Su abuelo fue esclavo en una plantación. Su madre, con solo 13 años, fregaba los suelos en el hospital donde dio a luz en 1915. Su padre, Clarence Holiday, era músico. Ese era su principal interés: no su familia.
Apenas una niña, fue chica de los recados de un burdel. Fue violada a los diez años y ejercería la prostitución con 13. Con quince años decide irse a Nueva York y comienza a cantar en clubs. Influenciada por Louis Armstrong y Bessie Smith, empezó a ser cada vez mas reconocida hasta que el productor John Hammond le habló de ella a Benny Goodman, el rey del swing.
Aquí es donde si esto fuera una historia bonita todo empezaría a cambiar para bien. Lo cierto es que no. Con una infancia así, no creo que sea censurable que, desde joven, Billie empezara a tener problemas con el alcohol y las drogas. Y la droga de moda entre los músicos de jazz era la heroína. Su éxito profesional fue parejo a su autodestrucción personal.
En 1935 se presenta -con éxito- en el teatro Apollo. Poco después aparece en un cortometraje -Simphony in black- junto a Duke Ellington. Comienza a recorrer todos los teatros, donde conoce al saxo tenor Lester Young, que sería su gran amigo y le pondría el apodo de Lady Day.
En muy poco tiempo, Billie está cantando con las orquestas del momento, como la del gran Count Basie, además de grabar varios de los mejores standares del jazz, como 'I loves you, Porgy', de Gershwin. Y a finales de la década, una canción caerá en sus manos. Strange fruit. Strange Fruit fue compuesta por Abel Meeropol, un inmigrante judío de origen ruso que sabía lo que era el racismo y la injusticia. Cuando vio las fotos de unos linchamientos en el sur de EEUU, algo se removió en su interior. Cuerpos colgando de los árboles. Extrañas frutas.
La letra, llena de imágenes explícitas, no daba puntada sin hilo: "Escena pastoral del galante sur: ojos saltones y boca torcida, el olor de la carne quemada, una fruta para que los cuervos la arranquen, una cosecha extraña y amarga".
Billie, que había vivido todo ese racismo, que sus abuelos habían sido esclavos, la cantó con el alma y el corazón desgarrado. Tomó la canción como arcilla y la modeló con la garganta rota de dolor. El público quedó en silencio. Se dice que ella tuvo que ir al baño a vomitar.
Strange Fruit sería un éxito y una condena para Billie holiday. No era plato de buen gusto para las autoridades blancas y tuvo muchos problemas cuando la interpretaba fuera de los clubs. En Alabama, por ejemplo, tuvo que salir por patas del recinto del concierto. Al final, la policía comenzó a acosarla y la atacaron por donde pudieron: por las drogas. Fue detenida y encarcelada varios meses. Incluso le retiraron el carnet para actuar en clubs donde se servía alcohol, que era su principal fuente de ingresos, durante doce largos años.
A todos estos problemas legales se sumaron los diferentes tipejos con los que se juntó durante aquellos años, animales que la maltrataron, abusaron y se aprovecharon económicamente de ella. Y todo ello cristalizado en una cada vez más acentuada adicción a la heroína. La droga y el alcohol afectaron a su voz que fue volviéndose más ronca y oscura. Pero lo que perdía, lo ganaba en emoción e interpretación.
Durante aquellos años hizo decenas de grabaciones, como el disco 'Lady sing the blues', llamado igual que su autobiografía. Unas memorias pródigas en desgracias pero que permiten conocer el alma de una persona sensible que no se cortó al hablar de drogas, racismo o machismo, aunque algunos detalles, como su relación con la actriz Tallulah Bankhead o con Orson Welles, los calle.
También visitó Europa en los 50, donde el color de su piel no suponía ningún problema; ella, que tenía que entrar por las cocinas en muchos clubs de EEUU donde actuaba. Arropada por artistas como Serge Gainsbourg o la escritora Françoise Sagan, triunfó en París. El final de la década trajo un par de hitos en su carrera.
El primero, uno de sus mejores trabajos, Lady in satine, quizás su disco más conocido. El segundo, una actuación que se ha convertido en una de las famosas y celebradas de la historia del jazz. Con una sección de metales formada por Lester Young, Ben Webster, Gerry Mulligan y Coleman Hawkins a los saxos y Vic Dickenson, al trombón, este 'Fine and Mellow' que se grabó para el programa de la CBS 'The sound of jazz' es oro puro.
Por desgracia, una vida como la suya no podía tener un buen final. La policía no se había olvidado de ella y cuando acude al hospital por un dolor en el hígado es arrestada por tenencia de drogas.
Billie murió en arresto hospitalario el 17 de julio de 1959. Esposada a la cama. Solo tenía 70 centavos en el momento de su muerte. La reina del jazz, que había puesto voz a la injusticia y al dolor, había muerto pobre e injustamente maltratada. Pero no se despidió sola. Más de 3000 personas acompañaron a pie a su ataúd.
La influencia de Billie en la música popular del siglo XX es enorme, desde Janis Joplin a Amy Winehouse o Nina Simone. La mejor forma de hacerle justicia es recordar su voz y talento.
MUSICAEMPILA – Educación Musical es un blog uruguayo creado por
Roberto García Cabrera, docente de Educación Musical en Montevideo,
activo en la plataforma Blogger desde junio de 2013.
El sitio está dedicado a la divulgación y enseñanza de la música y en él se publican materiales sobre sonido, instrumentos musicales, el canto y la canción, géneros y tradiciones culturales como el candombe y la música popular uruguaya, además de efemérides
y análisis de obras.
Su enfoque educativo y reflexivo busca promover la apreciación musical
como parte de la formación cultural, con un lenguaje accesible, recursos multimedia y
vínculos con proyectos complementarios.
MUSICAEMPILA es un espacio independiente de educación y
divulgación musical con énfasis en la identidad musical de América Latina, especialmente la uruguaya.
