El color BLANCO suele estar asociado a la pureza y la bondad. Los médicos van de blanco, los escolares visten de blanco, la novia en el altar usa un vestido blanco. De la misma manera se ha usado el color NEGRO para definir aspectos negativos: fulano tiene un pasado negro, aquel otro trabaja en negro, me las veo negras, etc.

Por supuesto que estos son resabios racistas que heredamos de los europeos, quienes a través del sistema esclavista, pudieron colonizar y poblar América, con la "colaboración" de los africanos y algunos nativos americanos.

Principalmente en Estados Unidos y algunos lugares de Europa, decir que una persona es negra es sinónimo de agresión e insulto. Por ejemplo, si los norteamericanos blancos hablan de "black people" es aceptable, pero "negro" es un insulto. Por eso se definió mundialmente dejar de usar el negro y referirnos a las personas y comunidades como "afroamericanas".

Buena parte de la MÚSICA AMERICANA es en realidad MÚSICA AFROAMERICANA. Como lo importante es el simbolismo que se le da a una palabra, más que la palabra en sí, podemos afirmar que estamos hablando de la música con raíces en las poblaciones negras del continente: MÚSICA NEGRA.

Esto incluye al Candombe en Uruguay, el Samba en Brasil, la Cumbia en Colombia, el Jazz en Estados Unidos, la Rumba en Cuba, la Plena en Puerto Rico, el Reggae en Jamaica y un largo etcétera.

Si analizamos las siguientes palabras, asociadas al mundo de la música:

conga, milonga, bomba, tumbadora, samba, bambulá, tango, cumbia,

merengue, candombe, rumba, mambo, tambor, marimba, 

Notamos la presencia de la combinación “mb” y “ng”, lo cual denota un origen africano, particularmente congolés.

Este es Neil Harbisson, quien nació con una rara enfermedad que le impide ver los colores. Un dispositivo conectado a su cabeza transforma los colores en sonidos. Si bien ve un mundo en grises, puede "escuchar" una sinfonía de colores, lo que le permite "escuchar" rostros. Para él no hay pieles blancas o negras o amarillas, todos somos naranjas...

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Pink Floyd es una banda de rock británica fundada en Londres en 1965, famosa por su música psicodélica y progresiva, destacada por sus innovaciones técnicas en la producción de sonido.

La formación original incluyó a Syd Barrett (guitarra, voz), Roger Waters (bajo, voz), Richard Wright (teclados, voz) y Nick Mason (batería). Barrett se retiró del grupo en 1968 por problemas de salud mental y fue reemplazado por David Gilmour, quien se unió a la banda como guitarrista y vocalista.

En 1985 Waters dejó la banda y continuó su carrera en solitario, mientras que Gilmour, Wright y Mason continuaron grabando y tocando como Pink Floyd. En 2005 los cuatro se reunieron para un concierto benéfico llamado Live 8, un año después murió Barret y en 2018 falleció Wright.  

En 1973 alcanzaron su mayor éxito comercial con su álbum "The Dark Side of the Moon", álbum que se convirtió en uno de los más vendidos de todos los tiempos. Luego la banda lanzó varios álbumes más que fueron aclamados por la crítica, como "Wish You Were Here" y "The Wall".

El álbum es considerado una obra maestra del rock progresivo y uno de los discos más influyentes y exitosos de la historia de la música con su mezcla de rock, jazz, electrónica y una temática conceptual que gira en torno al tiempo, la muerte, la avaricia y la locura. Cada canción es una obra maestra en sí misma y juntas conforman una experiencia auditiva inolvidable.

"The Dark Side of the Moon" fue además un gran éxito comercial, vendiendo más de 45 millones de copias en todo el mundo.

El álbum cumple 50 años, fue grabado en los estudios Abbey Road en Londres y producido por el ingeniero de sonido Alan Parsons y por todo el grupo, utilizando tecnología de vanguardia en el campo de la grabación y la producción de audio en esos tiempos. También se utilizaron efectos de sonido y grabaciones de campo para agregar profundidad y textura al sonido del álbum.

En lugar de grabar cada canción en su totalidad, se grabaron partes de diferentes tomas y se mezclaron en una única pista. Una de las características más notables de "The Dark Side of the Moon" es la transición fluida y sin interrupciones entre las canciones. Las canciones están conectadas entre sí mediante efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que crea una sensación de continuidad en todo el álbum, lo cual se convirtió en una de las principales influencias en la música progresiva y la música rock posterior.

"The Dark Side of the Moon" ha obtenido numerosos premios, distinciones y récords. En 1974, la Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos (RIAA) le otorgó el disco de platino por la venta de 1 millón de copias en los USA. El álbum ha sido certificado 15 veces platino en los EE. UU. hasta la fecha. En 1999, fue incluido en el Salón de la Fama del Grammy y en 2003, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 43 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En 2011, "The Dark Side of the Moon" fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, que selecciona anualmente grabaciones que son "cultural, histórica o estéticamente significativas".

Además, permaneció en la lista de los 200 álbumes más vendidos del Reino Unido durante 741 semanas consecutivas, lo que equivale a casi 14 años, récord de permanencia que aún no ha sido superado por ningún otro álbum.

AQUÍ SE PUEDE ESCUCHAR SU EDICIÓN MASTERIZADA 50 ANIVERSARIO

La portada de "The Dark Side of the Moon" es una de las más icónicas y reconocidas de la historia de la música. Fue diseñada por el grupo de arte gráfico Hipgnosis, liderado por Storm Thorgerson y representa un rayo de luz blanca que atraviesa un prisma triangular y se descompone en un espectro de colores en el otro extremo.

La idea era simbolizar el viaje de la luz a través del prisma, que se asemeja a un triángulo, representando la música del grupo, que descompone los diferentes elementos de la vida humana en una amplia gama de emociones. El prisma también sugiere la idea de que Pink Floyd arroja luz sobre la oscuridad, explorando temas oscuros y profundos a través de su música.

La idea se le ocurrió a Thorgerson después de escuchar las letras de la canción "Eclipse" del álbum, que incluyen la frase "todo es oscuro" y quiso crear una imagen que reflejara la luz y la oscuridad, decidiendo luego usar un prisma para simbolizar la separación de la luz blanca en sus colores componentes. La imagen del prisma fue creada a través de un proceso de fotografía experimental en el que un prisma de cristal fue utilizado para crear el efecto de refracción de la luz.

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El término LATIN MUSIC se empezó a utilizar a partir de los años 50 en Estados Unidos para referirse a los ritmos musicales típicos de América Latina, buscando además diferenciarlos de los estilos de origen Afroamericano como el Blues, el Jazz o el Rock and Roll.

A menudo desde el norte no se distingue lo mexicano de lo argentino, o la cumbia colombiana de ritmos cubanos. Nosotros desde el sur sí podemos, sabemos y debemos referirnos a las cosas por su nombre, respetando su historia y su identidad.

Los sonidos vibrantes y la riqueza cultural de Latinoamérica de esta lista de videos resaltan la diversidad y la creatividad de la música de nuestra región. Diferentes géneros musicales conforman la escena musical latinoamericana, salsa, merengue, plena, cumbia y muchos ritmos más. Artistas icónicos y otros menos masivos de todo el continente ofrecen en su música la belleza y los colores de las culturas latinoamericanas.

LISTA EN YOUTUBE - https://www.youtube.com/watch?v=DkFJE8ZdeG8&list=PLxxkcg23SpjXtW54kHfg4fUSoP0h6pczd

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El Soul nació en Estados Unidos en la década de 1950 a partir de la mezcla de diversos estilos musicales como el rhythm & blues, el góspel y el jazz. En las iglesias evangélicas de Georgia, Philadelphia o Mississippi estaban los pioneros: Sam Cooke, Ben E.King & The Drifters y Ray Charles.

Resulta difícil determinar dónde empieza el Soul, pero queda claro que sirvió para que los “ciudadanos de segunda”, que por entonces debían ceder el asiento en el ómnibus, llevaran su música de la iglesia a la calle, luego a las radios locales y clubes de baile. También fue una buena salida laboral para cualquier ciudadano negro que cantara bien. Así surgieron varias estrellas desde sellos discográficos como Motown de Detroit y Stax en Memphis.

El mismísimo Martin Luther King utilizó el Soul como medio para difundir su mensaje, “I’m Black, I’m Proud” gritaba James Brown. Tiempo después, la industria y la comunidad blanca prestó atención a esta música, que continuó en los 70, con Stevie Wonder, por ejemplo.

El Soul encarna la lucha entre lo sagrado y lo profano, es arte afroamericano que sintetiza la palabra del evangelio y la música del diablo, representada por el Blues, el Jazz y el Rhythm & Blues.

Así suenan los PIONEROS DEL SOUL.

De la mano de James Brown llegaría luego el Funk, centrado en el groove y poniendo énfasis en el primer tiempo del compás. Se trata de un sonido más crudo y visceral, con protagonismo de lo rítmico y fuertes líneas de bajo.

Papa's Got A Brand New Bag (James Brown, 1965) es considerado el primer Funk, que se consolidó años después con su otro éxito: Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine.

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PACO DE LUCIA fue uno de los más grandes guitarristas españoles de Flamenco de todos los tiempos. Nació en Cádiz en 1947 y falleció en México en 2014. Además de editar libros de música con transcripciones de sus obras, publicó más 40 discos y colaboró con muchos artistas de primer nivel, entre ellos Camarón de la Isla, Carlos Santana, Al Di Meola, John McLaughlin, Tomatito, Chik Corea y Djavan.

LA GUITARRA VUELA es una película que recorre 9 países y unos 34.000 km. Se trata de una gira protagonizada por su última gutarra llamada "La Maestro" (que no pudo estrenar) y es un homenaje al músico, al instrumento y a la universalidad del FLAMENCO, un arte que personalizaron ambos.

La MAESTRO va de mano en mano, de músico en músico, entre anécdotas, nostalgias, secretos y mucho arte. Desde Mallorca a Lisboa, de Estados Unidos a Brasil, pasando por Argentina y también por Uruguay.

“Necesitaría de dos vidas para explicar lo que es el flamenco. Su espíritu, su emocionalidad tan entera. No es una música que se pueda explicar en un conservatorio y decir ‘esto está bien y así se toca’. No hay dudas: el flamenco necesita del corazón”. Paco de Lucía

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1° de JUNIO

En 2015 la canción "Yesterday" de The Beatles cumplió 50 años.

Fue grabada el 14 de junio de 1965, presentada en vivo ante el público el 1º de agosto en el Blackpool Night Out y editada en el álbum Help! en setiembre del mismo año en UK.

Esta es la primera vez que Paul la tocó en vivo, presentada por George Harrison.

 

Se trata de una balada compuesta integramente por Paul Mc.Cartney, la primera canción donde el resto de la banda no aparece en absoluto. Paul canta y toca la guitarra acústica, acompañado por un cuarteto de cuerdas a sugerencia del productor George Martin.

La canción surgió a partir de un sueño de Mc.Cartney durante 1964. Luego de asegurarse de que no fuera un "plagio involuntario", trabajó sobre la cancion como "Scrambled eggs" (huevos revueltos), hasta llegar a la letra definitiva. Según el propio autor se trata de su canción más lograda, pegadiza y sin fisuras.

Según el Libro Guinness, la canción tiene más de seis millones de emisiones en los Estados Unidos y ha sido versionada más de 3200 veces (entre otros por Frank Sinatra, Elvis Presley, Ray Charles, Aretha Franklin, Bob Dylan, Tom Jones, Placido Domingo y Katy Perry), cantada en varios idiomas, versionada instrumentalmente y grabada en ritmo de salsa, cumbia, flamenco, jazz, etc.

Finalmente y como muestra, esta versión en vivo de Elvis Presley del año 1970.

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ROCK AND ROLL

MÚSICA Y REBELDÍA

El Rock and Roll, la música que cambió para siempre la cultura juvenil en el siglo XX. Las raíces del género, su explosión en los Estados Unidos de los años 50 y el impacto de figuras legendarias.

Entre rebeldía, cambios sociales y revolución musical, el rock se convirtió en mucho más que un género. Una actitud que desafió normas, transformó la industria cultural e inspiró generaciones enteras.

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A fines de los años 70 en Estados Unidos y en el Reino Unido. Nueva York y Londres respectivamente fueron testigos de el surgimiento de un movimiento luego conocido como PUNK. En ese contexto aparece una banda cuyos experimentados integrantes provenían de otras tiendas, como el Jazz o el Rock Progresivo, se trataba de THE POLICE.

Tres notables músicos: Sting, Andy Summers y Stewart Copeland formaron este trío y revolucionaron la escena musical local y luego mundial. No era simplemente una nueva banda Punk, sino que en su música coexistían también otros géneros como el Reggae, con un halo de pop vanguardista.

La banda tuvo un éxito explosivo a partir de muy buenas canciones, armonías novedosas, un ritmo aplanador y letras cada vez más introspectivas que reflejaban el espíritu de su bajista y vocalista, Sting era profesor de Literatura. Hacia 1980 THE POLICE era una de las mejores bandas del mundo a partir de sus 5 discos y giras por todo el planeta.

Su influencia en Sudamérica fue notable. Numerosas bandas (especialmente tríos de bajo, guitarra y batería) de la región crecieron bajo ese sonido e intentaron sonar en consecuencia. Ejemplo de esto aparece SODA STÉREO en Argentina y PARALAMAS DO SUCESSO en Brasil, bandas que lideraron el rock latinoamericano. En Uruguay LOS TONTOS conformaron un trío que -además de sus letras irónicas y sarcásticas- tomó esa influencia en su música.

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Pentatonix es un grupo musical de cinco vocalistas: Kirstie Maldonado, Scott Hoying, Mitch Grassi, Avi Kaplan y Kevin Olusola. Son de Arlington, Texas, Estados Unidos.
Llevan 5 discos editados, han realizado múltiples giras por América del Norte y Europa. Cantan POP, principalmente versionando canciones a capella, es decir sin utilizar instrumentos musicales de ningún tipo.

web: http://ptxofficial.com/home
youtube: https://www.youtube.com/channel/UCmv1CLT6ZcFdTJMHxaR9XeA



LA EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA SEGÚN "PENTATONIX" 

 

Joseph Kwabena Nketia (1921-2019) fue un musicólogo, compositor y ethnomusicólogo ghanés considerado la figura más importante en el estudio de la música africana del siglo XX. Su trabajo fue fundamental para darle a la música del continente un estatus académico propio y liberarla de los análisis basados en parámetros occidentales.

Entre sus contribuciones fundamentales se cuenta la descolonización del análisis musical, el desarrollo de metodologías y terminologías específicas para analizar la música africana , rechazando la notación musical occidental como única herramienta válida, priorizando la oralidad y la función social de la música.

Fue director del Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana, donde impulsó la investigación de campo y la documentación sistemática de músicas tradicionales que estaban en riesgo de desaparecer.

Su influencia trascendió África, enseñando en prestigiosas universidades de Estados Unidos y asesorando a organismos como la UNESCO. Recibió numerosos honores internacionales por su labor. El trabajo de Kwabena es la base sobre la que se construye la musicología africana contemporánea, siendo una figura clave para entender la identidad cultural y padre intelectual de los estudios modernos de música en el continente africano.

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Angelina Jordan nació en Noruega en 2006 y siendo una niña, ya es una cantante reconocida mundialmente.

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Whitney Houston y Billie Holiday fueron su inspiración, su principal influencia está en el jazz.

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Con 8 años, Angelina fue ganadora de Noruega Got Talent en 2014 y desde allí comenzó a recorrer diferentes medios en su país y también el resto de Europa y Estados Unidos.
 

Hasta hoy, sus videos han recibido millones de visitas en YouTube y su sueño es seguir una carrera como cantante. Cualidades le sobran.

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CA7RIEL Y PACO AMOROSO

En inglés un “tiny desk” sería algo así como un “escritorio pequeño”.

Las presentaciones llamadas TINY DESK CONCERTS son una serie de conciertos organizados por la NPR (National Public Radio, o sea la radio pública de los Estados Unidos) y se llevan a cabo en las oficinas de la propia radio en Washington. Esos más de 1200 videos son posteriormente subidos a YOUTUBE, donde han recibido millones de visualizaciones.

Aquí los 10 conciertos más populares:

El éxito de Tiny Desk Concerts se debe a la intimidad que generan sus sesiones, donde los artistas deben mostrar su música con los componentes más esenciales y en un formato mínimo, sin ediciones ni correcciones posteriores. Desde 2008 se han presentado en este formato artistas de diversas partes del mundo, desde Taylor Swift a Jorge Drexler, pasando por Nicki Nicole y Maluma, entre muchísimos otros/as.

En octubre de 2024 fue el turno del dúo argentino formado por Ca7riel & Paco Amoroso, quienes superaron los 10 millones de reproducciones en un mes con una presentación memorable. Un año después son 44 millones las vistas y se encuentra entre los más populares del canal, superando a Coldplay, Adele y Harry Styles, por ejemplo.

Despojados de artilugios electrónicos, tocaron en Tiny Desk con arreglos musicales que deslumbraron a varias generaciones, con un sonido sofisticado y también accesible. En sólo 20 días realizaron y ensayaron los arreglos para el concierto, sumando a los músicos que los acompañan habitualmente, una excelente elección de sesionistas. Una fina mezcla de jazz, funk, trap, bossa y otros géneros en estos 16 minutos de música.

Acá un popular músico, cantante y productor chileno llamado Pablo Vargas, analiza y se sorprende con la calidad de la interpretación.

C.TANGANA EN TINY DESK -  CLICK ACÁ 🎶

BILLIE EILISH EN TINY DESK - CLICK ACÁ 🎶

NICKI NICOLE EN TINY DESK - CLICK ACA 🎶

1° de AGOSTO

El 1° de agosto de 1981 a la medianoche, comenzó a transmitir en Estados Unidos un canal que cambiaría para siempre la forma de vivir la música: MTV – Music Television. Su lema era claro: “Nunca verás la música de la misma manera”. El primer videoclip emitido fue “Video Killed the Radio Star” de The Buggles, una elección simbólica que anunciaba el poder de la imagen por encima de la radio.

Por primera vez, los jóvenes podían ver durante todo el día no solo escuchar las canciones, sino también asociarlas a una estética, un relato y una identidad visual. Los artistas entendieron rápidamente el impacto: Michael Jackson, Madonna, Duran Duran y muchos otros desarrollaron sus carreras en parte gracias a los videoclips, que se volvieron herramientas artísticas y de marketing indispensables.

Sin embargo, el fenómeno no estuvo libre de críticas. Al poner la imagen en primer plano, muchos músicos fueron marginados por no encajar en los estándares de belleza televisivos. Además, en sus inicios, MTV fue acusada de discriminar a artistas afroamericanos, negándose a programar sus videos hasta que el enorme éxito de Michael Jackson y su “Billie Jean” obligó a la cadena a abrir espacio a la diversidad.

MTV marcó una tendencia que llega hasta hoy. Los videoclips de los años 80 hoy copan las plataformas como YouTube o TikTok, la unión entre música e imagen sigue definiendo cómo descubrimos, consumimos y compartimos canciones.

Aquí podemos revivir los primeros minutos de aquel sábado 1° de agosto de 1981.

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En diciembre de 1965 salió el disco RUBBER SOUL, sexto álbum de THE BEATLES que inmediatamente se posicionó en los primeros lugares de las listas, tanto en UK como en USA. En los Estados Unidos permaneció en las listas de éxito durante 59 semanas y fue número uno por seis semanas consecutivas. Se vendieron 1,2 millones de copias en nueve días a partir de su publicación y desde su lanzamiento, ha sido certificado 6 veces platino por la RIAA.

Terence J. O'Grady escribió esto hace 39 años sobre un disco que ya cumplió más de 60 y sigue siendo un interesante punto de vista al dia de hoy.

 

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CANCIONES IMPORTANTES

THRILLER

Michael Jackson

La cámara de la industria discográfica de los estados unidos (en inglés RIAA), informa en diciembre de 2015 que el disco THRILLER de MICHAEL JACKSON es el primero en la historia en alcanzar las 30 MILLONES de copias vendidas en USA. Digamos que 1 de cada 10 norteamericanos tiene este disco en su casa, sea en vinilo, casette o CD.

Desde su aparición en 1982, ha vendido más de 100 MILLONES de copias en el mundo y es uno de los álbumes comercialmente más exitosos de la historia. Pero esto sería meramente popularidad y ventas, si no estuviera respaldado por grandes canciones, que marcaron una época y anticiparon tendencias, influyendo a miles de artistas en el mundo.

El disco (producido por el gran Quincy Jones) incluye varios de los grandes temas de quien se convertiría prontamente en el REY DEL POP, como Wanna be startin' somethin', Beat it, Billie Jean, Pretty young thing y la canción que da nombre al disco, Thriller. En su grabación participaron varios grandes de la música como el beatle Paul Mc.Cartney, Eddie Van Halen en guitarras y el percusionista brasileño Paulinho da Costa, entre otros.

THRILLER, el videoclip

En diciembre de 1983 se estrenó en MTV el clip de la canción Thriller. Era la primera vez que se filmaba un video tan largo (casi 14 minutos) para una canción. Con un despliegue narrativo, elaborada coreografía, un vestuario y maquillaje nunca antes vistos en un clip musical. Tuvo un costo de 800 mil dólares, diez veces más que la media de la época y fue realizado por el exitoso director de cine John Landis.

Al estilo de un musical de terror del momento, con un hombre lobo y zombies, se trata del video más visto de la historia, 4000 millones de personas (más de la mitad del planeta). Con un gran impacto mediático, fue repetido a pedido de la audiencia varias veces ese primer día y cambió la historia de los videoclips para siempre. Más tarde se vendió un documental que muestra su realización, el más vendido de la historia con 9 millones de copias.

En 2009 el video Thriller de Michael Jackson fue incluido en el registro nacional del cine norteamericano y forma parte de un selecto grupo de audiovisuales históricos.

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